CINEINFINITO / Centro Cultural Doctor Madrazo
Jueves 16 de Marzo de 2023, 19:00h. Centro Cultural Doctor Madrazo
Calle Casimiro Sainz, s/n
39004 Santander
Programa:
– Dance in the Sun (1953), 16mm, color, sonora, 7 min
– In Paris Parks (1954), 16mm, color, sonora, 14 min
– Bullfight (1955), 16mm, color, sonora, 9 min
– A Moment in Love (1956), 16mm, color, sonora, 8 min
– Bridges-Go-Round (1958), 16mm, color, sonora, 4 min
– Bridges-Go-Round (1958) (segunda versión), 16mm, color, sonora, 4 min
– Scary Time (1960), 16mm,b&n, sonora, 16 min
– Skyscraper (1960), 16mm, b&n, sonora, 21 min
– Butterfly (1967), 16mm, color, sonora, 3 min [Shirley & Wendy Clarke]
– 24 Frames Per Second (1977), 16mm, color, sonora, 3 min
1h 30min
Formato de proyección: HD
Shirley Clarke (New York, 2 de octubre de 1919–Boston, 23 de septiembre de 1997) fue una cineasta independiente estadounidense. Trabajó además como directora y montadora en películas comerciales. Inició su carrera en la década de 1950, dirigiendo principalmente cortometrajes y documentales. Su película Portrait of Jason logró el respaldo de la crítica y se convirtió en su obra más reconocida. Clarke murió a causa de un derrame cerebral en 1997.
Clarke era hija de un inmigrante polaco que hizo fortuna en la industria manufacturera. Su madre fue hija de un judío multimillonario e inventor. Se educó en la Lincoln School de Manhattan y estudió danza moderna con Martha Graham. A los diecisiete años consiguió su primer trabajo como coreógrafa. Más tarde representó sus propias obras en el Dance Theatre y en el Carnegie Hall de Nueva York. Fue miembro de la junta directiva de la Asociación Nacional de Danza. Dejó su carrera de bailarina para dedicarse al cine independiente en 1953.
Fundadora junto a Mekas, del New American Cinema Group (28/09/1960). Su película siguiente, The Cool World (1963), presenta a jóvenes neoyorkinos que caen en la delincuencia, y Portrait of Jason (1967) es un bello ejemplo de cinéma-vérité. Estas dos películas fueron seleccionadas para el Registro Cinematográfico Nacional por la Biblioteca del Congreso por su importancia «cultural, histórica o estética».
Participó también en la película de Agnes Varda Lion’s Love en 1969, y desde entonces trabajó sobre todo para cadenas de televisión por cable. En 1985, realizó Ornette: Made in America.
Profesora de cine en la Universidad de California en Los Ángeles, 1975-83.
Dance in the Sun (1953)
Derivada de su formación como bailarina, Dance in the Sun, primera película de Shirley Clarke, es tal vez la más cercana a su disciplina anterior. Despliega ya temas que serán elaborados en sus obras posteriores y, como Clarke explicó en una entrevista con Lauren Rabinovitz: “todo lo que descubrí acerca de la coreografía del montaje y la coreografía del espacio/tiempo viene de esta primera película”. En Dance in the Sun, producida en colaboración con el bailarín y coreógrafo Daniel Nagrin, Clarke monta escenas de la misma danza, rodada en estudio y en una playa, creando un patrón rítmico que se acelera en el clímax. Gracias a la cuidadosa atención al detalle coreográfico y a la continuidad del montaje por parte de Clarke, el bailarín Daniel Nagrin se desplaza entre un escenario exterior, la playa, y un estudio. El intercambio de espacios adquiere una intensidad creciente, con la única conexión del cuerpo de Nagrin.
Drawing from her training as a dancer, Dance In the Sun, Shirley Clarke’s first film, is perhaps closest in form to her previous medium of expression. It already displays themes which were to be elaborated on in her later works, and as Clarke explained in an interview with Lauren Rabinovitz, «All these kind of things I discovered about the choreography of editing and the choreography of space/time came from making that very first film». In dance in the sun, produced with dancer/choreographer Daniel Nagrin, Clarke cuts between scenes of the same dance, shot in the studio and on the beach, creating a rhythmic pattern that accelerates at film’s climax. Through Clarke’s careful attention to choreographic detail and continuity editing, the dancer Daniel Nagrin, moves between an exterior setting, the beach, and an interior studio. The space interchange with increasing intensity, connected by Nagrin’s body alone.
In Paris Parks (1954)
Clarke se quedó sin nada que hacer cuando vio que el que iba a ser su protagonista se había marchado de París. Llevando al parque a su hija Wendy, se dio cuenta de que los juegos de los niños eran una danza en sí mismos. Así que hizo una “danza de la vida” que revela una mirada íntima y llena de fascinación a un París ahora perdido.
«En In Paris Parks, el centro de la coreografía es la actividad cotidiana en un parque de París. Si la película empieza concentrándose en pequeños detalles entre la multitud, termina con el parque vacío al anochecer. El estilo de Clarke es, como dice DeeDee Halleck, “una mirara lírica a los gestos y el movimiento en un paisaje público”, y su objetivo es encontrar el vacío en el movimiento y el movimiento en el vacío». – Angelos Koutsourakis
Discovering her original subject had left Paris, and with nothing to do, Clarke found herself taking her daughter Wendy to the park. She realized that the playing of the children was in itself a dance. So she made «a dance of life» that reveals an intimate, charming and loving vision of a now-lost Paris.
«In In Paris Parks, what is choreographed is the mundane and everyday activity in a park in Paris. While the film starts with the populated park focusing on ordinary events, it finishes with the park emptying during the evening. Clarke’s filming is, as DeeDee Halleck says, «a lyrical look at gesture and movement in a public landscape’ concerned with finding emptiness in movement and movement in emptiness.»» – Angelos Koutsourakis
Bullfight (1955)
La única filmación de la legendaria bailarina y coreógrafa Anna Sokolow. Clarke monta una corrida de toros con la sensacional, apasionada recreación de Sokolov del torero, el público y el toro.
The only filmed performance of the legendary dancer/choreographer Anna Sokolow, Clarke cuts between a bullfight and Sokolow’s incredible, intensely passionate interpretation of bullfighter, audience and the bull.
A Moment in Love (1956)
Clarke evoluciona desde la estricta descripción de Dance in The sun hacia un uso expresivo y dramático de la cámara en A Moment in Love. La cámara no solo sigue el movimiento de los bailarines sino que los adelanta y se cruza en sus trayectorias. Manipula sus movimientos hasta el punto de que los bailarines parecen planear entre las nubes, suspendidos en una dicha interminable y sobrenatural. Como explicó Clarke: “empecé a hacer un uso coreográfico de la cámara acompañando a los bailarines en el encuadre.” Con brillantez, Clarke va más allá del uso de la cámara subjetiva y la convierte en su verdadera protagonista.
Clarke moves away from the strictly depictive perspective maintained in Dance in The sun and towards an expressive and interpretive use of the camera in A Moment in Love. As the dancers move, the camera not only follows them but exceeds and breaks their trajectories. It manipulates their perceptible movements to such an extent that the dancers appear to be gliding among the clouds, suspended in endless and even supernatural bliss. As Clarke explains: “I started choreographing the camera as well as the dancers in the frame”. With bright, lustrous tone, Clarke goes beyond subjective camera work to the point that her camera becomes subject itself.
Bridges-Go-Round (1958)
Clarke elaboró Bridges-Go-Round a partir de metraje sobrante. En sus manos, los puentes monumentales que rodean el puerto de Nueva York se disuelven en una abstracción bidimensional que parece balancearse al ritmo de la música. La tonalidad onírica se ve intensificada por la vivacidad del color, conseguida mediante el procedimiento de “bipack”, que consiste en la alteración de algunos colores de la película original al adosarle una segunda tira de película en el proceso de revelado. Al aparecer complicaciones relacionadas con derechos de autor en la banda sonora original de Louis y Bebe Barron, que habían compuesto la innovadora partitura electrónica de la película Forbidden Planet (1956), Clarke pidió al productor de jazz Teo Macero que hiciera algo para sustituirla. – NFPF
Bridges-Go-Round was crafted by Clarke from leftover project footage. In her hands, the monumental bridges spanning New York Harbor dissolve into flattened abstractions that seem to sway with the music. The dream-like quality is intensified by the vivid color, which was achieved by “bi-packing,” a process in which certain colors of the film original are altered by running the strip through the printer with a second piece of film. When rights issues threatened the use of the initial music track by Louis and Bebe Barron, who had composed the groundbreaking electronic score for Forbidden Planet (1956), Clarke asked jazz producer Teo Macero to develop a replacement. – NFPF
«Shirley Clark fue una pionera del cine y vídeo independiente en Norteamérica. En su clásico vanguardista Bridges-Go-Round, capta la atmósfera inquietante de los puentes urbanos, que aparecen transformados, mediante panorámicas, tintados, tratamiento de capas y texturas, en una danza mágica y abstracta. Esta obra extraordinaria tuvo dos diferentes bandas sonoras compuestas expresamente para ella, una electrónica y otra de jazz.» –Film and Video Umbrella
«Shirley Clark was a founding figure of independent film and video movements in North America. In the classic avant-garde film Bridges-Go-Round, she captures the eerie atmosphere of metropolitan bridges. They are transformed through panning camera movements, colour tinting, layering and texturing into an abstract and magical dance. This extraordinary creation had two different originally commissioned scores. The film is repeated on this print with the jazz and the electronic soundtracks respectively.» – Film and Video Umbrella
Scary Time (1960)
Clarke empezó su obra narrativa con este cortometraje poco visto producido por UNICEF para promocionar su campaña de Halloween. Clarke se aparta de lo esperado comparando los primeros planos de niños “terroríficos” con sus disfraces de Halloween con imágenes inquietantes de niños enfermos y famélicos en países del tercer mundo. Fue tan efectiva que la película estuvo muchos años fuera de circulación.
Clarke started her narrative career with this little-seen short produced by UNICEF to promote their Halloween charity drive. Clarke deviates from the expected by comparing the closeups of the «scary» children in Halloween costumes to troubling images of sick and emaciated children in third-world countries. It was so effective, that the film was banned for many years.
Skyscraper (1960)
Descrita por Shirley Clarke como “una comedia musical sobre la construcción de un rascacielos”.
Nominada para un Oscar de la Academia, este cortometraje registra con ligereza la construcción del Tishman Building en el número 666 de la Quinta Avenida de Nueva York.
Characterized by Shirley Clarke as “A musical comedy about the building of a skyscraper.”
Nominated for an Academy Award, this live-action short film playfully chronicles the construction of the Tishman Building at 666 Fifth Avenue in New York City.
Butterfly (1967)
Película arañada, pintada y blanqueada que muestra a una madre y una hija separadas y juntas, con el sonido de ametralladoras, un bebé que llora y una canción de cuna.
A scratched, painted, and bleached film shows mother and daughter separately and together to the sounds of machine gun fire, a crying baby, and a lullaby.
24 Frames Per Second (1977)
Encargada por el Museum of Art de Los Angeles, esta obra muy montada formó parte de una exposición sobre arte persa. Centrada en la belleza de los tejidos, especialmente las pequeñas alfombras, este cortometraje demuestra la atención al detalle de la directora.
Commissioned by the Los Angeles Museum of Art, this highly edited work complemented an exhibit on Persian art. Focused on the beauty within textiles, notably rugs, this short film illustrates director Shirley Clarke’s eye for detail.
Traducción de textos: Javier Oliva