Cineinfinito #101: Lewis Klahr

CINEINFINITO / CINE ESTUDIO
Domingo 22 de Septiembre de 2019, 18:00h, Círculo de Bellas Artes
Calle Alcalá, 42
28014 Madrid

Programa: 

Sixty Six (2002-2015), vídeo, 1.77:1, color, stereo

1. Mercury (2015), 3 min.
2. Ichor (2013), 5 min.
3. Helen of T (2013), 7 min.
4. Erigone’s Daughter (2014), 15 min.
5. Mars Garden (2014), 5 min.
6. Saturn’s Diary (2014), 7 min.
7. The Silver Age (2015), 9 min.
8. August 19, 1966 (Jupiter Sends A Message) (2014), 5 min.
9. Lip Print (Venus) (2012), 3 min.
10. Ambrosia (2014), 4 min.
11. Orphacles (2013), 5 min.
12. Lethe (2010), 21 min.

Total: 90 min.

Formato de proyección: DCP (copia cortesía de Lewis Klahr)

Agradecimiento especial a Lewis Klahr


Lewis Klahr (nacido en 1956 en Estados Unidos) es un cineasta experimental que trabaja en Los Angeles. Es conocido por sus películas absolutamente personales, en las que utiliza imágenes encontradas y sonidos para explorar la identidad, sexualidad y memoria histórica. Desde que hizo su primera película en 1977, el corpus de su obra engloba multitud de cortometrajes digitales y collages analógicos en stop-motion, y también dos largometrajes. Creando un diálogo entre el collage de corta y pega, las tradiciones del cine underground y experimental, y el mundo del arte, Klahr escarba en el alma de América, presentando una historia atípica y anti-pop. La obra de Klahr ha obtenido numerosos premios cinematográficos y ha sido adquirida para la colección permanente del MoMA de Nueva York, así como por varias colecciones privadas.

En mayo de 2010 el Wexner Center for the Arts presentó una retrospectiva con cinco programas de películas de Klahr. En marzo de 2013 el Museum of the Moving Image le dedicó una retrospectiva de un fin de semana a sus películas digitales, y un folleto informativo con una entrevista de ocho páginas en Artforum. En 2010, “Wednesday Morning Two A.M.” obtuvo un “tigre” en el Festival de Cine de Rotterdam. En 1994 “The Pharaoh’s Belt” consiguió una mención especial a una obra experimental de la Asociación Nacional de Críticos de Cine.

La serie de Klahr “Sixty Six”, que tiene la duración de un largometraje, se estrenó en diciembre de 2015 en el MoMA en una proyección que agotó las localidades. La crítica del New York Times Manohla Dargis la incluyó en su lista de 10 mejores películas del año. En 2016 y 2017 “Sixty Six” se ha proyectado en distintos lugares de Estados Unidos y el resto del mundo en festivales de cine, salas y museos.

Klahr fue galardonado en 2010 con una residencia en arte digital por el Wexner Center for the Art, en 2013 obtuvo el premio Brakhage Vision, y en 1992 una beca Guggenheim, y también ha recibido financiación de distintas instituciones (NEA, NYSCA, CAPS, the Jerome Foundation, Creative Capital).

Lewis Klahr vive en Los Angeles y ejerce la docencia a tiempo completo en la Escuela de Teatro del California Art Institute.

Lewis Klahr (born 1956, United States) is a Los Angeles-based experimental filmmaker. He is known for his uniquely idiosyncratic films, which use found images and sound to explore identity, sexuality, memory and history. Since creating his first film in 1977, his body of work has come to encompass a number of short digital and analogue stop-motion collages, including two feature-length films. Creating a dialogue between cut-and-paste collage, underground and experimental film traditions and the art world, Klahr digs into the heart of American, presenting a counter-pop history of sorts. Klahr’s work has won numerous film awards and was acquired for the permanent collection of the Museum of Modern Art, New York.

Lewis Klahr is known for his uniquely idiosyncratic films, which use found images and sound to explore the intersection of memory and history. Klahr’s films have been included in The Whitney Biennial 3 times and screened extensively in the United States, Europe and Asia.

In May 2010 The Wexner Center for the Arts presented a 5 program retropsective of Klahr’s films. In March 2013 his digital Films received a weekend retro at the Museum of the Moving Image and an 8 page profile/interview in Artforum. In 2010 “Wednesday Morning Two A.M.” was awarded a Tiger Award at the Rotterdam Film Festival. In 1994 “The Pharaoh’s Belt” received a special citation for experimental work from the National Society of Film Critics. Klahr’s work is in MoMA’s permanent collection, as well as various private collections.

Klahr’s feature length series “Sixty Six” premiered in December 2015 at MoMA in a sold out screening. It was included on NY Times critic Manohla Dargis’ 10 Best Films of the year list. Throughout 2016 and 2017 “Sixty Six” extensively toured the U.S. and the world at film festivals, cinemas and museums.

Klahr was The Wexner Center for the Arts 2010 Media Arts Residency Award Winner, the 2013 Brakhage Vision Award winner, a 1992 Guggenheim Fellow and has also received funding from the NEA, NYSCA, CAPS, the Jerome Foundation, Creative Capital.

Lewis Klahr lives in Los Angeles and teaches full time in the California Art Institute’s Theater School.


Sixty Six (2002-2015)

“Sixty Six” (2002-2015) es el nuevo largometraje de Lewis Klahr, el galardonado artista de Los Angeles, nacido en 1956. Organizado en 12 capítulos independientes, “Sixty Six” es un hito, la culminación del trabajo de décadas de Klahr en el cine de collage. Con sus complejas superposiciones de imágenes y música, y su amplitud de tonos y texturas, tan incitadoramente eróticas como llenas de presagios siniestros, la película es un sueño hipnótico del pop de los años 60 y 70. Relatos elípticos de sunshine noir (género negro a la luz del día) y de la mitología griega clásica aparecen habitados por superhéroes de cómic y personajes de novelas gráficas portuguesas que vagan a través de lugares de la vanguardia de mediados del siglo XX en Los Angeles y fotografías de arquitectura y paisajes de las revistas de la época. “Sixty Six” es la última obra, y quizá la más magistral, de la serie digital abierta Prolix Satori, en la que el artista explota su amplio archivo de 30 años de materiales de collage. Como observa el historiador Tom Gunning, “las películas de Klahr producen una mezcla de melancolía y deseo a partir de su interacción entre apropiación y pérdida, recuerdo y olvido”. – Josh Siegel, Comisario del MoMA.

“Sixty Six (2002-2015), a new feature by the award-winning Los Angeles-based artist Lewis Klahr (American, born 1956). Organized in 12 discrete chapters, Sixty Six is a milestone achievement, the culmination of Klahr’s decades-long work in collage filmmaking. With its complex superimpositions of imagery and music, and its range of tones and textures at once alluringly erotic and forebodingly sinister, the film is a hypnotic dream of 1960 and 70s Pop. Elliptical tales of sunshine noir and classic Greek mythology are inhabited by comic book super heroes and characters from Portuguese foto romans who wander through midcentury modernist Los Angeles architectural photographs and landscapes from period magazines. Sixty Six is the latest, and perhaps most magisterial, entry in Lewis Klahr’s open-ended digital series Prolix Satori, in which the artist mines his vast 30-year archive of collage materials. As the historian Tom Gunning observes, “Klahr’s films generate a blend of melancholy and desire from this interplay of grasping and losing, remembering and forgetting.”– Josh Siegel, Curator MoMA

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“Da a los sueños que has olvidado el valor de lo que ignoras”. –André Breton y Paul Eluard, “El juicio original”.

“Sixty Six” empezó como una película de tres minutos en 16 mm que hice en 2002 –una obra llena de poética pop con la exuberante paleta de un daylight noir (género negro a la luz del día) y una abstracción de colores primarios. Por alguna razón imprecisa, nunca llegué a positivar este pequeño juego de manos, y en vez de eso lo proyecté en público de forma ocasional como una copia de trabajo. En junio de 2012 me sentí por fin impulsado a completar este corto. Decidí recrearlo, plano a plano, en vídeo digital, que en la década transcurrida había sustituido al 16 mm como mi formato de trabajo. Pero ocurrió algo sorprendente mientras trasponía a vídeo alguno de los planos originales: la pieza se fue expandiendo a medida que nuevas imágenes y materiales se iban incorporando de manera espontánea.

“Sixty Six” siguió creciendo a lo largo de 2013, hasta que me quedó claro que estaba haciendo una serie de 12 episodios. Mi película de 2009 “Leteo” se convirtió en la conclusión y clímax de la serie, puesto que había inaugurado la fusión mitopoética de imágenes de los años 60 con la mitología griega que define a “Sixty Six” como conjunto. A diferencia de mis anteriores series de obras, pensé en muchas de las películas individuales más como capítulos autónomos. También muchos de ellos tenían duraciones más cortas (2-5 minutos) de lo que era habitual en mi trabajo. Al tiempo que la estructura global se definía a sí misma lo hacía el rango tonal, que abarca una gran variedad de estrategias. Es un paisaje mental lleno de asociaciones pop, en el que la textura y el tiempo eterno son los estupefacientes privilegiados, mientras figuras de cómics de los 60 con sus vivos colores se abren paso en icónicos escenarios fotográficos sobre todo en blanco y negro y sobre todo de Los Angeles en la mitad del siglo XX.

Seguidamente algunas notas sobre las películas individuales:

Orden de proyección de “Sixty Six“:

  1. Episodio 11, Mercury (3 minutos, 2015). En “Mercurio” trabajé con una caja de luz para iluminar las superposiciones creadas por las páginas a doble cara de los cómics del superhéroe Flash de mediados de los años 60. Aparece Flash con su icónico traje rojo y también el Flash de la Edad de Oro tal como se lo representa en este libro de la Edad de Plata. Este último se parece más a las representaciones clásicas de Mercurio en la mitología griega. Mercurio, el dios mensajero, pone la serie en marcha.
  2. Episodio uno, Ichor (5 minutos, 2013). Música original de Mark Anthony Thompson. Narración de Andrea Leblanc. “Icor” introduce el paisaje mítico de Los Angeles a mediados de los años 60, el cimiento utópico de toda la serie. El mito griego colisiona poéticamente con el género “daylight noir” (género negro a la luz del día). La palabra ‘icor’ se refiere a la sangre de los dioses.
  3. Episodio tres, Helen of T (7 minutos, 2013). Un dístico. En la primera mitad de “Helena de T”, una chica fiestera deambula por Nueva York en el esplendor de su juventud. En su segunda mitad, Helena habita un paisaje contemporáneo, al mismo tiempo que envejece significativamente. La música es la misma en ambas partes, insinuando una verdad sobre el envejecimiento y la cualidad de pasado del presente de cada uno. Sin duda, no se trata de la “Helena” que dio lugar a una guerra, sino más bien de Helena de Troy, Nueva York.
  4. Episodio 4, Erigone’s Daughter (15 minutos, 2014). Música original de Josh Rosen, y un extracto de “Bullettrain” interpretado por 3 Play. “La hija de Erígone” tiene como protagonista rubia a un ensamblaje de varios personajes de diferentes fotonovelas portuguesas de los años 70. Su banda sonora es un collage procedente del programa de la televisión americana “Route 66” de principios de los años 60. El montaje de sonido da como resultado un cuento de madre e hija sobre la herencia generacional de la chica que vive para el breakdance.
  5. Episodio cinco, Mars Garden (5 minutos, 2014). Otra exploración de las superposiciones producidas por las páginas de doble cara del cómic: más superhéroes, esta vez los oscuros y efímeros THUNDER Agents. “El jardín de Marte” explora los límites y el sentido de sacrificio que encarna el mito del héroe masculino.
  6. Episodio 6, Saturn’s Diary (6:45, 2014). “El diario de Saturno” es solo eso: un diario de la existencia terrenal y mundana del Dios, incluyendo su atareada vida romántica, durante los cuatro primeros meses de 1966. Aquí vuelven a aparecer los personajes del libro negro de cómics y el paisaje de L.A. de “Icor”. En su sección final, en la que la representación es sustituida por la abstracción del silencio y el parpadeo del color puro, Saturno desaparece, y la película se transforma en un diario en color.
  7. Episodio diez, The Silver Age (9 minutos, 2015). El capítulo “La Edad de Plata” constituye un clímax en el despliegue de las imágenes que empezaron en “Icor” y siguieron en “El diario de Saturno”. El paisaje de L.A. aparece nuevamente exuberante de figuras en color y objetos yuxtapuestos para lograr un contraste máximo contra el esplendente blanco y negro de las icónicas fotografías de arquitectura de la ciudad. La sensación de criminalidad implícita en este despliegue, antes reprimida, ahora estalla en visiones completamente metafóricas mediante planos recurrentes de cajas fuertes desvalijadas y la aparición de un revólver apuntando. Pero el grafismo pop y las canciones de amor retrospectivas en la banda sonora hacen más compleja la mezcla, sugiriendo que lo robado no es solo la cartera. De la misma forma, uno se equivocaría si cree que ese equipo quirúrgico pensativo y melancólico (cuyas batas evocan los verdes primaverales de “La hija de Erígone”) no se dedica más que a la cirugía plástica de rostros y huellas dactilares.
  8. Episodio ocho, August 19, 1966 (Jupiter Sends A Message) [19 de Agosto de 1966 (Júpiter envía un mensaje)] (5 minutos, 2014). Una rememoración del mes de agosto de 1966 en las afueras de Long Island, en mi niñez. Los gallos cantan hasta que los truenos agitan los paisajes enlatados –detalles procedentes de fotos de la revista Life, en los que los puntos ampliados de la cuadrícula de impresión hacen palpable la humedad de la tormenta que se aproxima.
  9. Episodio nueve, Lip Print (Venus) [Huella de labios (Venus)] (3 minutos, 2012). Un melodrama con la duración de un largometraje comprimido en tres minutos, con una protagonista que es como la quintaesencia de las rubias de los años 60 (una amalgama de varias protagonistas diferentes de cómics románticos) y que descubre a quién desea realmente. Acompañada por una sección repetida en bucle del “Claro de luna” de Debussy, esta película se titulaba en origen “Turn it Back” (Haz que vuelva), y fue un encargo de Chuck Workman para su ensayo documental “What is Cinema?” (Qué es el cine).
  10. Episodio siete, Ambrosia (4:30, 2014). El alimento de los dioses: una naturaleza muerta cinematográfica de las mesas de banquete de los años 60. La única película muda de la serie.
  11. Episodio dos, Orphacles (5 minutos, 2013). Música original de Mark Anthony Thompson, narración de Andrea Leblanc. Orphacles es una figura de la mitología griega inventada por mí. En el ruidoso final, Orphacles se encoleriza cuando se le superpone un mosquito recién muerto, que aún se retuerce, y la rave para guitarra sola de Mark Anthony Thompson. “Orphacles” forma junto con “Icor” un sujetalibros, ya que añade más de esas imágenes icónicas de paisajes con casas de LA, personajes de cómic de género negro a la luz del día, y citas proféticas (normalmente pesimistas) del Libro de Cartomancia.
  12. Episodio doce, Lethe (21:30, 2010) “Leteo” es la película que hice en 2009 y que inauguró esta serie mitopoética sin saber aún que la estaba haciendo. Un melodrama “pulp” de ciencia-ficción, editado con un fondo sonoro de Mahler. En la mitología griega, el Leteo es el río subterráneo cuyas aguas beben los muertos para borrar los recuerdos de su vida reciente. Es la historia más claramente elíptica que nunca he contado. El tipo de narración que aspiraba a crear cuando empecé a hacer películas a finales de los años 70: ¡solo he necesitado tres décadas para llegar hasta aquí!

Let the dreams you have forgotten equal the value of what you do not know.” –Andre Breton and Paul Eluard, “The Original Judgement”

Sixty Six began as a three minute, 16mm film I created in 2002– a pop poetic filled with the lush palette of Daylight Noir and primary color abstraction. For some undefined reason, I never took this little conjuring to the printing stage but would instead occasionally screen it publically as tape-spliced workprint. In June of 2012, I felt compelled to finally complete this short. I decided to re-create it, shot for shot, in digital video, which in the intervening decade had replaced 16mm as my format of choice. But a surprising thing happened as I transposed some of the original shots into video, the piece kept expanding as new images and materials spontaneouly folded in.

Sixty Six kept growing throughout 2013 until it was clear to me that I was creating a 12 episode series. My 2009 film “Lethe”, became the concluding and climactic film of the series, as it had pioneered the mythopoetic splice of 1960’s imagery with Greek Mythology that came to define Sixty Six as a whole. Unlike my previous work in series, I was thinking of many of the invididual films more as chapters than stand alones. Also many had shorter durations (2-5 minutes) than I usually worked in. As the overall structure defined itself, so did the tonal range, which includes a diverse variety of approaches. It’s a pop associational mindscape where texture and eternal time are the favored intoxicants as vividly colored 60’s comic book figures thread their way through iconic photographic settings that are often B&W and often of mid twentieth century Los Angeles.

Below some notes on the individual films:

Sixty Six Projection Order:

1. Episode 11, Mercury (3m 2015) In Mercury I worked with a lightbox to illuminate the superimpositions created by the doublesided pages of mid 1960’s Flash superhero comics. Included are both the iconically red suited Flash and the Golden Age Flash as depicted in this Silver Age book. The latter looks more like classic representations of Mercury found in Greek Mythology. Mercury, as the messenger god, sets the series in motion.

2. Episode One, Ichor (5m 2013) Original music Mark Anthony Thompson, Narration Andrea LeblancIchor introduces the mid 1960’s Los Angeles myth-scape, the utopic foundation of the entire series. Greek Myth poetically collides with daylight noir. The word ‘ichor’ refers to the blood of the gods.

3. Episode Three, Helen of T (7m, 2013) A couplet. In the first half of Helen of T, a party girl roams NYC in her youthful prime. In its second half, Helen inhabits a contemporary landscape as she significantly ages. The music remains the same in both parts implying a truth about aging and the pastness of ones present. This is decidedly not the ‘Helen’ who had a war fought over her, but more Helen of Troy, New York.

4. Episode 4, Erigone’s Daughter (15m 2014) Original music Josh Rosen, an excerpt from “Bullettrain” performed by 3 Play. Erigone’s Daughter’s blond female protagonist is an assemblage of several different 1970’s Portuguese Foto Roman characters. Its soundtrack was collaged from the early 1960’s American TV show Route 66. The sound montage results in a mother and daughter tale of B-girl generational inheritance.

5. Episode Five, Mars Garden (5m 2014) Another exploration of the superimpositions produced by the doublesided comic book page– more superheroes, this time the obscure and short lived, Thunder Agents. Mars Garden explores the limits and sense of sacrifice embodied in the myth of the male hero.

6. Episode 6, Saturn’s Diary (6:45 2014) Saturn’s Diary is just that– a diary of the God’s mundane, earthly existence, including his busy romantic life, during the first 4 months of 1966. Here the comic book noir characters and L.A. landscape of Ichor re-emerge. In the film’s final section, as representation is replaced by the abstraction of silence and pure color flicker, Saturn disappears, and the film transforms into a color diary.

7. Episode Ten, The Silver Age (9m 2015) The Silver Age is a climactic chapter of the thread of imagery begun in Ichor and continued in Saturn’s Diary. The L.A. landscape is again lush with color figures and objects juxtaposed for maximum contrast against the B&W splendor of iconic L.A. architectural photographs. The previously repressed sense of crime running throughout this thread, now explodes into full metaphoric view via recurring shots of burglarized safes and the appearance of a raised revolver. But the pop graphics and backwards love songs on the soundtrack complicate the mix implying the larceny committed is not only of the pocketbook. Likewise, one would be mistaken to think that that pensive, melancholy surgical team (whose gowns evoke the spring greens in Erigone’s Daughter) are merely performing plastic surgery on faces and fingerprints.

8. Episode Eight, August 19, 1966 (Jupiter Sends A Message) (5m 2014) A remembrance of August 1966 in the suburban Long Island of my childhood. The crickets sing until the thunder claps inscanned landscapes– excerpted details from Life magazine photos where the enlarged printing grid dots makes the humidity of the approaching thunderstorm palpable.

9. Episode Nine, Lip Print (Venus) (3m 2012) A feature length melodrama compressed into 3 minutes, in which a quintessential 60’s blonde (an amalgam of several different romance comic protagonists) discovers who she’s really desiring. Set to a looped section of Debussy’s Clair de Lune this film was originally titled “Turn It Back” and was commissioned by Chuck Workman for his “What Is Cinema?” essay doc.

10. Episode Seven, Ambrosia (4:30 2014) The food of the gods– a filmic still life of 1960’s banquet tables. The only silent film in the series.

11. Episode Two, Orphacles (5m, 2013) Original music Mark Anthony Thompson, Narration Andrea LeblancOrphacles is a Greek mythological figure of my own invention. In the rip roaring finale, Orphacles becomes enraged while being overlaid with a newly dead, still twitching mosquito and Mark Anthony Thompson’s rave up guitar solo. Orphacles forms a bookend with Ichor as it includes more of the same iconic L.A. house-scapes, 60’s daylight noir comic book characters and narration of prophetic quotes (usually pessimistic) from the Book of Cartomancy.

12. Episode Twelve, Lethe (21:30 2010) The film I made in 2009 that inaugarated this mythopoetic series before I knew I was making it. A pulp, sci-fi melodrama edited to a score by Mahler. In Greek Myth, Lethe is the underworld river that the dead drink from to erase their memories of their recent life. The clearest elliptical story I’ve ever told. The type of storytelling I aspired to create when I first became a filmmaker in the late 1970’s– only took me 3 decades to get here!


Traducción de los textos: Javier Oliva