Cineinfinito #112: David Haxton

CINEINFINITO / Centro Cultural Doctor Madrazo
Martes 10 de Diciembre de 2019, 19:30h. Centro Cultural Doctor Madrazo
Calle Casimiro Sainz, s/n
39004 Santander

Programa: (el orden de los films según indicaciones del autor)

Bringing Lights Forward (1970), 16mm,  b&w, silente, 4 min.
Painting in Object (1975-6), 16mm, b&w,  silente, 7 min.
Cube and Room Drawings (1976-77), 16mm, color, silente, 15 min.
Cubes (
1977), 16mm, b&w, silente, 12 min.
Painting Room Lights (1981), 16mm, color, silente, 9 min.

Formato de proyección: HD (copias cortesía del autor)

Agradecimiento especial a David Haxton


David Haxton (nacido en 1943, Indianapolis, Indiana) es un artista que trabaja sobre todo en fotografía y cine. Sus películas de los años 70 y primeros 80 fueron hechas principalmente en película negativa, con una posición de cámara estática, en una sola toma. En estas películas, el espacio filmado se revela gradualmente por medio de un intérprete, mientras que se conserva la naturaleza plana intrínseca de la pantalla iluminada.

En 1976 Haxton compró una cámara de 8×10 y empezó a fotografiar los restos de los escenarios de sus películas. Las fotografías son como las películas, en la medida en que tienen lugar en el estudio. Haxton afirma que “el escenario fotografiado empezó en la oscuridad, y todo lo que aparece en la fotografía fue añadido, incluyendo la luz”. En “Art of Photography” (“El arte de la fotografía”) afirma que “el escenario fotografiado contiene restos de actividad humana, de un modo no diferente a los chorreos en una pintura de Pollock”. David Haxton dice que en general sus fotografías deben más a Man Ray que a Cartier-Bresson.

Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de South Florida (1961-1965), y también posee un máster en Bellas Artes (pintura) de la Universidad de Michigan (1965-67).

Las obras fotográficas de Haxton fueron expuestas por primera vez de forma individual en la Galería Sonnabend de París, en 1978. En los años 80 también se expusieron en la Galería Sonnabend de Nueva York, Bienal Whitney, y en diversas salas de Estados Unidos y Europa.

Su exposición monográfica más reciente fue en abril de 2019 en la Galería Fridman de Nueva York. La exposición, titulada -/+, incluía películas y fotografías. En febrero de 2018 Haxton presentó una velada de películas en el Centro Pompidou de París. En mayo de 2018 el Centro Pompidou inauguró el Kanal Pompidou en Bruselas: una exposición realizada en este museo con el título “El lugar del cine” incluyó dieciséis películas de Haxton. Su película “Cube and Room Drawings” se incluyó en la exposición inaugural del nuevo Museo Whitney en 2015, titulada “America is Hard to See” (“América es difícil de ver”). La galería Gavlak de Los Angeles presentó una muestra monográfica de sus películas y fotografías en abril de 2015. En 2012 su película “Painting Room Lights” se incluyó en la exposición titulada “Watch This! New Directions in the Art of the Moving Image” (“¡Mira esto! Nuevas direcciones en el arte de la imagen en Movimiento”) en el Museo de Arte Americano Smithsonian. En 1978 el Whitney presentó una exposición de fotografías de Jan Groover y David Haxton. En 1978 fue programado en las sesiones “Cineprobe” del MoMA.

Su obra figura en las colecciones del Centro Pompidou de París, SFMOMA de San Francisco, Museo de Arte Americano Smithsonian en Washington, D.C., Museo de Arte Americano Whitney en New York, Museo de Arte de Indianapolis, Galería Albright Knox, National Gallery of Art de Canberra (Australia), MoMA de Nueva York, Maslow Collection en Scranton (Pensilvania), Kadist Foundation, Polaroid Collection y en el Art Institute de Chicago.

David Haxton (b. 1943, Indianapolis, Indiana) is an artist who works primarily in Photography and Film. His films from the 1970’s and early 1980’s were made mostly in negative, with a static camera position, and were made in one take. In these films the space filmed is revealed gradually by a performer, while the intrinsic flatness of the illuminated screen is maintained.

In 1976 Haxton bought an 8×10 camera and started photographing the leftover sets from his films. The photographs are like the films, in that they take place in the studio. Haxton states that “The photographed set started in darkness and everything in the photograph was put there including light”.  In the Art of Photography he states that, “the photographed set contains the residue of human activity, not unlike the drips in a Pollack painting”.  David Haxton says that in general his photographs owe more to Man Ray than Cartier  Bresson.

He has a BA degree in Art from the University of South Florida (1961-1965). He also has an MFA degree in painting from the University of Michigan (1965-67).

Haxton’s photographic works were first shown in a Solo exhibition at Sonnabend Paris, 1978. In the 1980’s the photographic works were shown at Sonnabend New York, The Whitney Biennial, and at  venues in the US and Europe.

His most recent Solo exhibition was in April of 2019 at Fridman Gallery in New York. The exhibition titled -/+ included films and photographs. In February of 2018 Haxton presented an evening of films at the Centre Pompidou in Paris. In May of 2018 the Centre Pompidou opened Kanal Pompidou in Brussels. An exhibition within the museum titled “The Site of Film” included sixteen of Haxton’s films. His film “Cube and Room Drawings” was included in “America is Hard to See”,  the inaugural exhibition at the new Whitney Museum in 2015.  Gavlak Gallery in Los Angles mounted a solo exhibition of his films and photographs in April of 2015. In 2012 his film “Painting Room Lights” was included in an exhibition titled “Watch This! New Directions in the Art of the Moving Image” at the Smithsonian American Art Museum. In 1978 the Whitney presented a two-person exhibition of photographs by Jan Groover and David Haxton.  In 1978 he was featured in MoMA’s Cineprobe series.

Selected collections include: Centre Pompidou, Paris, SFMOMA, San Francisco, Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C. The Whitney Museum of American Art, New York, The Indianapolis Museum of Art, Albright Knox Gallery, National Gallery of Art, Canberra, Australia, MoMA, New York, Maslow Collection in Scranton, Pa., Kadist Foundation, Polaroid Collection, and the Chicago Art Institute.


Bringing Lights Forward (Adelantando las luces, 1970)

Bringing Lights Forward describe el escenario cinematográfico a través de la manipulación de las luces en su interior. Se ve a una mujer que sitúa tres lámparas de pie en el centro, a la izquierda y a la derecha de la pantalla, y luego las va desplazando gradualmente hacia el primer término –la superficie de la pantalla– en varias posiciones diferentes. A medida que ella se desplaza, enciende y apaga las luces. Al final, reúne las tres lámparas en el centro de la pantalla, pero de tal manera que las bombillas, que son la fuente de luz de la película, aparecen cortadas por encima del límite superior del encuadre, pero aun así iluminando la pantalla. La mujer se encamina fuera de la pantalla una vez que ha terminado esta acción. El emplazamiento y movimiento de las lámparas de pie y el uso de película negativa sirven como demostración literal de la forma en que la luz afecta a la naturaleza perceptual de la imagen cinematográfica.

Bringing Lights Forward describes the film set through the manipulation of lights on stands. A woman is seen placing three lamp stands at the center, left, and right of the screen and then moving them gradually into the foreground – the surface of the screen- in several distinct stages. As she makes a move she turns the lights on and off. Finally she clusters the three stands at the center of the screen but in such a way that the lamps themselves, the light source for the film, are cut off by the top of the frame yet still illuminating the screen. The woman walks off-screen once she has completed this action. The placement and movement of the lamp stands and the use of negative in this film serve as a literal demonstration of the way in which light affects the perceptual quality of the film image.


Painting in Object (Pintando en el objeto, 1975-6)

El tema de Painting in Object es la aparición de un objeto “real” de tres dimensiones a partir de su apariencia bidimensional. La película está en negativo, y comienza con una pantalla completamente blanca. Haxton entra en cuadro y pinta un gran cuadrado negro de la altura de una persona en paralelo a la pantalla: al principio parece como si estuviera pintando sobre una superficie plana de papel o sobre una pared, aunque es difícil entender cómo puede pintar un cuadrado tan perfecto. Atraviesa el cuadrado hacia el fondo y “desaparece”; el cuadrado está iluminado con una luz lateral que solo alcanza a una estrecha porción del espacio. Luego él vuelve a aparecer desde la parte trasera del cuadrado y pinta líneas diagonales entre sus esquinas (los inicios de la perspectiva), siempre muy rectas, como en una ilusión perspectiva. Vuelve a desaparecer en lo blanco a través del cuadrado, y le da la vuelta, de manera que la parte pintada desaparece: se puede ver que es una cara de un cubo de madera. Haxton pinta este lado del cubo y desaparece otra vez, y vuelve a aparecer para pintar las diagonales de esta cara entre las esquinas, lejos del frente, que ahora se interpretan espacialmente porque se ha destruido la ilusión de una superficie plana.

The emergence of a “real” three dimensional object from its two-dimensional appearances is the subject of Painting in Object. The film is in negative and begins with a totally white screen. Haxton enters the frame and paints a large black square about person-height parallel to the frame: at first it looks as if he is painting on a flat piece of paper or on a wall, although it is hard to understand how the painting is perfectly done. He walks through the square to the back and “disappears”, the lighting of the square is from the side so that it illuminates only a narrow slice of space. He then comes back into view from behind the square and paints in diagonal lines from the corners, the beginnings of perspective, stilI very flat, as if perspectival illusion. He disappears through the square into whiteness again and turns the square around so that the painted part vanishes, one sees that it is the frame of a wooden cube. Haxton paints this side of the cube and vanishes again, re-emerging to paint in the diagonals of this side from the corners away from the front, which now read spatially because the illusion of flatness has been broken.


Cube and Room Drawings (Dibujos de un cubo y una habitación, 1976-77)

Cube and Room Drawings empieza con una vista inclinada hacia abajo de un papel gris que cubre el suelo. Entra un intérprete por la parte trasera de la escena y empieza a dibujar líneas en el suelo. Las líneas son el principio del dibujo de un cubo distorsionado. El intérprete abandona la escena. El papel empieza a girar en el suelo. A medida que gira el papel, el cubo se va orientando gradualmente de forma correcta, como si estuviera dibujado sobre un trozo de papel vertical. El intérprete vuelve a entrar y dibuja otro cubo que se ajusta a la perspectiva del primero. Después de salir y volver a entrar, el intérprete dibuja en el suelo líneas rojas que se alejan. Sale, y el papel gira, y las líneas rojas se convierten en una cuadrícula que se ajusta a la pantalla vertical. La película prosigue con varias acciones adicionales que continúan este motivo.

Cube and Room Drawings begins with a view looking down at an angle toward grey paper covering the floor. A performer enters from the back of the scene and begins drawing lines on the floor. The lines are the beginning of a drawing of a distorted cube. The performer leaves the scene. The paper begins to rotate on the floor. As the paper rotates the cube gradually becomes correctly oriented, as if it were drawn on a vertical piece of paper. The performer enters again and draws another cube that corresponds to the perspective of the other cube. After leaving and re-entering the performer draws red receding lines on the floor. He leaves and the paper rotates and the red lines become a grid that corresponds to the vertical screen. The film continues with several additional actions that continue this theme.


Cubes (Cubos, 1977)

En Cubes un intérprete entra en escena por la izquierda llevando una cubeta de lo que parece pintura negra (la película está en negativo). Empieza a pintar líneas en lo que parece una pared blanca. Las líneas se convierten en una representación en dos dimensiones de un cubo. Una vez completado, abandona la escena por la izquierda. La siguiente imagen es una “pared” de papel. Es arrancada desde detrás y otro cubo, similar al ya dibujado, se revela gradualmente en el fondo. El intérprete abandona la escena hacia un lado. Vuelve a entrar por la izquierda, en primer término. Entonces destruye partes del cubo de delante arrancándolas. Esto revela el hecho de que el cubo no es plano, sino que está suspendido en el espacio. De nuevo deja la escena por la izquierda, para volver a entrar por la parte trasera. Entonces dibuja en las líneas del cubo del primer término desde el espacio trasero. Luego vuelve al primer término y termina de arrancar el cubo de delante. Una vez terminado esto, vuelve a la parte de atrás y rellena los espacios entre las líneas del primer término. La película termina después de que haya pintado de negro sólido una de las caras de cada uno de los cubos.

In Cubes a performer enters the scene from the left carrying a bucket of what appears to be black paint (the film is in negative). He begins to paint lines on what seems to be a white wall. The lines become a 2D representation of a cube. Upon completion he leaves to the left of the screen. The next image is a “wall” of paper.It is cut away from behind and another cube, similar to the already drawn cube, is gradually revealed in the background. The performer leaves the scene to the side. He re-enters the scene from the left, in the foreground. He then destroys parts of the foreground cube by cutting it away. This reveals the fact that the cube is not flat but suspended in space. He again leaves the scene from the left only to re-appear in the rear of the scene. He then draws in the lines of the foreground cube at the rear of the space. He then returns to the foreground and completes the cutting away of the foreground cube. Upon completion of this he returns to the rear and fills in the foreground lines. The film ends after he fills in one side of each cube with solid black.


Painting Room Lights (Pintando luces de habitación, 1981)

En Painting Room Lights un intérprete pinta cuatro lámparas fluorescentes y hace un dibujo de un paisaje con un sólido rectangular en primer término. También hace un dibujo de una habitación en perspectiva con un único punto de fuga. En primer término hay dos lámparas fluorescentes de cuatro brazos y al fondo dos lámparas de ocho brazos. El dibujo del paisaje y el dibujo de la habitación parecen hechos sobre una superficie blanca (la película está en negativo, y las luces se apagan en la habitación). Un profundo espacio se revela detrás de los dibujos cuando las lámparas se encienden al fondo. Entonces el intérprete pinta las bombillas fluorescentes. A medida que se pintan las lámparas, la habitación desaparece y los dibujos parecen estar otra vez sobre una superficie plana. Los dibujos son cortados con tijeras y se desprenden del encuadre. El proceso se repite con las lámparas del primer término. La película es en color, y las luces fluorescentes son verdes. La película negativa vira la escena hacia el rojo. Entonces el intérprete retira el papel de las ventanas traseras y la luz diurna inunda el espacio. La imagen negativa hace que la luz diurna aparezca negra.

In Painting Room Lights a performer paints four fluorescent lamps and makes a drawing of a landscape with a rectangular solid in the foreground. He also makes a drawing of a room in one point perspective. Two four foot fluorescent lamps stand in the foreground and two eight foot fluorescent lamps stand in the background. The drawing of the landscape and the drawing of the room appear to be made on a white surface (the film is in negative and the lights are turned off in the room). A deep space is revealed behind the drawings when the fluorescent lamps are turned on in the background. The performer then paints the fluorescent bulbs. As the lamps are painted the room disappears and the drawing seems to be again on the flat surface. The drawings are cut with scissors and they fall out of the film frame. The process is repeated with the lights in the foreground. The film is in color and the fluorescent lights are green. The negative film effectively casts the scene in red. The performer then removes paper from the rear windows and daylight floods into the space. The negative image makes the daylight appear as black.


Traducción de los textos: Javier Oliva