CINEINFINITO / CINE CLUB SANTANDER
Martes 13 de Octubre de 2020, 19:30h. Cine Los Ángeles
Calle Ruamayor, 6
39008 Santander
Programa:
– At Land (1944, Maya Deren), 16mm, b&w, silente, 15 min
– I Walked with a Zombie (1943, Jacques Tourneur), 35mm, b&w, sonora, 69 min
Presentación y coloquio por José Luis Torrelavega
*Programa en colaboración con Cine Club Santander
Formato de proyección: 35mm y DCP 2K
Agradecimiento especial al Ayuntamiento de Santander y al Cine Club Santander.
Eleanora Derenkowsky conocida como Maya Deren (Kiev, 29 de abril de 1917 – Nueva York, 13 de octubre de 1961) fue una directora de cine, bailarina, coreógrafa, poeta y escritora ucraniana nacionalizada estadounidense. Fue una de las principales realizadoras de cine experimental de los años 40. Se la considera la madre del cine underground en Estados Unidos. Sus películas se inspiran en el psicoanálisis y el surrealismo. Su obra Meshes of the Afternoon, premiada en el Festival Internacional de Cannes, está considerada una de las películas experimentales más importantes e influyentes del siglo XX. El cortometraje, de carácter feminista, explora las imágenes del interior de una mujer, que siente terror en sus sueños hacia los objetos de su vida cotidiana.
La autora definía sus propias obras con el término “películas de cámara”, puesto que aspiran a llegar a un público no muy amplio, intimista. No aspira a exhibirse en los grandes cines, pero tampoco a la marginalidad. Sus circuitos serán las universidades, museos, etc. todo lo que estaba en manos del arte pero a lo que el cine no había accedido todavía.
En 1943 adoptó el nombre de Maya Deren y en ese mismo año comienza a hacer una película con Marcel Duchamp “The witche’s cradle” la cual nunca se terminó y están disponibles fragmentos rodados sin editar. En ese momento su círculo social incluía a André Breton, Duchamp, John Cage y Anaïs Nin.
La segunda película que realizó fue “At Land” en 1944. Hizo también “A study in choreography for the camera” en 1947 y “Ritual of transfigured time”, la película más parecida en forma narrativa a “Meshes in the afternoon”, que en este caso explora el miedo al rechazo y la libertad de expresión en un ritual de depuración.
En 1946 fue galardonada con una beca Guggenheim por su creatividad fílmica, convirtiéndose en la primera mujer del mundo en recibir esta ayuda para filmar con total libertad.
En 1947 ganó también el Gran Premio Internacional para un film de 16mm experimental “Meshes in the afternoon” en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Codirigido con su marido, Alexander Hammid, la pieza influyó especialmente en directores como Jean Cocteau, Luis Buñuel o David Lynch. El film fue adquirido por el MoMA de Nueva York.
Su siguiente película, “Meditation on violence”, fue hecha en 1948. Chao Li Chi fue el artista marcial que se encargó de la acción, que es una demostración de artes marciales chinas que sólo fue manipulada una vez en el montaje para añadir un salto del artista marcial a otro plano, donde aparece más ataviado y con una espada: este es el primer vídeo de Deren que utiliza elementos de la cultura afro-haitiana, incluyendo dentro de la música algunos tambores de Haití acompañados de flautas chinas. Resulta muy interesante como precedente directo de lo que hoy llamamos world music.
En 1958 Deren, en colaboración con la “Metropolitan Opera Ballet School”, produjo “The very eye of night”, su último filme concluido, donde un grupo de bailarines se mueven al estilo de dioses griegos sobre un fondo de estrellas, aparentando estar libres de la fuerza de gravedad.
Deren distribuía sus propios filmes y los promocionaba a través de clases y ponencias en Estados Unidos, Canadá y Cuba. También actuaba, editaba, escribía y dirigía sus propias películas. A través de la década de los 40´s y los 50´s, Deren atacó a Hollywood por su monopolio artístico, político y económico sobre el cine americano. Decía “hago mis películas con lo que Hollywood gasta en pintalabios”, y se quejaba de que Hollywood “era un gran obstáculo para que el cine se definiera y se desarrollara como una forma de arte creativo y fino”. Su posición siempre fue de oposición a los estándares y prácticas de la industria fílmica de Hollywood. Deren fundó la Creative Film Foundation, fundación que junto a la colaboración de Cinema 16, desde 1956 hasta 1961, se dedicó a premiar el trabajo de cineastas independientes.
“La filosofía de Deren, con su impresionante insistencia en la dimensión ética del arte, además de por haber sido una feminista pionera, la convierten en un personaje muy apreciado incluso a día de hoy”, aseguró el crítico Bill Nichols.
Deren tenía un gran interés por el vudú y gracias a la beca Guggenheim pudo financiar al fin un viaje a Haití. Dunham, la directora de la compañía de danza donde había trabajado años atrás, había realizado su tesis en bailes haitianos, lo que influyó claramente en los intereses de Deren, quien no sólo filmó varias horas de rituales de vudú, sino que comenzó a participar de ellos y adoptó aquella religión. Su libro, que lleva por título “Divine horsemen: The living God´s of Haiti”, y sus horas de grabación documental fueron organizadas y editadas -veinte años después de la muerte de Maya- por su tercer marido, Teiji Ito y su esposa Cherel Ito.
Maya Deren también era escritora. Su libro más destacado fue “Anagrama”, en el que da claves sobre la filosofía de su cine, de cómo todas las piezas tienen una importancia fundamental en el resultado. “Cada elemento está tan relacionado con el todo que ninguno de ellos puede cambiar sin afectar la serie y así afectar a la totalidad. Y, por el contrario, el todo es lo relacionado con todas las partes que si se leen horizontalmente, verticalmente, en diagonal o en sentido inverso a la lógica de la totalidad no es interrumpido, se mantiene intacta”.
Jacques Tourneur nació el 12 de noviembre de 1904 en París. A los diez años acompaña a su padre, el también director Maurice Tourneur, a los Estados Unidos. Durante estos primeros años ejercitará diferentes trabajos secundarios relacionados con el cine. Con veintiún años llega a trabajar como sexto ayudante de dirección de la película Ben Hur, dirigida por Fred Niblo. Con la llegada del cine sonoro los Tourneur regresan a su país. Entre 1930 y 1933 trabaja como montador en películas que dirigía su padre. Durante los años treinta debuta como director realizando cortos y largometrajes.
En 1934 decide regresar a los Estados Unidos, donde empieza a trabajar para la Metro Goldwyn Mayer dirigiendo cortometrajes y películas de serie B. Posteriormente empieza a dirigir sus primeras películas americanas, sobre todo cortos, utilizando el pseudónimo de Jack Tourneur. De este período son títulos como They all come out (1939), Nick Carte, Master Detective (1939) o Phantom Raiders (1940).
Su mejor momento llegó en los años 40 cuando se alió con el productor Val Lewton para realizar en la RKO una serie de fascinantes proyectos de terror y suspense de bajo presupuesto y alto talento, con envolventes atmósferas, en donde se destacó el valor de la sugerencia, el evocativo aspecto estético y el aspecto psicológico sobre la explotación facilona de otros cauces más triviales para causar efectismos simplones.
Entre ellas auténticas gemas como “La Mujer Pantera” (1942), con Simone Simon como principal protagonista y guión de DeWitt Bodeen, “Yo Anduve Con Un Zombie”, película con Frances Dee con posible inspiración en el “Jane Eyre” de Charlotte Brontë, o “El Hombre Leopardo” (1943), película con el protagonismo de Dennis O’Keefe que adaptó una novela de Cornell Woolrich. Todas ellas estaba montadas por el también director Mark Robson.
Al margen de estos títulos de suspense, Tourner en la década de los 40 estrenó dignos ejemplos de western, como “Tierra Generosa” (1946), con Dana Andrews, thrillers bélicos como “Berlín Express” (1948), protagonizado por la pareja formada por Robert Ryan y Merle Oberon, o esa maravilla del cine negro titulada “Retorno Al Pasado” (1947), película, basada en una novela de Geoffrey Homes, con un reparto extraordinario en el que aparecen Robert Mitchum, Kirk Douglas, Rhonda Fleming y Jane Greer.
También en este período rodó con Hedy Lamarr el melodrama psicológico “Noche En El Alma” (1944), película basada en una novela de Margaret Carpenter.
En los años 50, Jacques Tourneur filmó algunos de sus mejores trabajos, como “El Halcón y La Flecha” (1950), popular y enérgico título de aventuras con Burt Lancaster y Virginia Mayo, “La Mujer Pirata” (1951), disfrutable título de piratas con Jean Peters en el papel de Anne Providence, “La Noche Del Demonio” (1957), magistral película británica de terror con Dana Andrews y Niall MacGinnis, y “Al Caer La Noche” (1957), espléndido título negro.
En este decenio también estrenó el western “Wichita” (1955), película sobre Wyatt Eartp con el protagonismo de Joel McCrea y Vera Miles; y “La Batalla De Marathón” (1959), peplum con Steve Reeves.
Al margen del cine, Tourneur dirigió también episodios de conocida series de televisión, como “Bonanza” o “En Los Límites De La Noche (Twlight Zone)”.
Este fantástico director, un hechicero de la narración cinematográfica a reividicar sin reservas (en especial sus cautivadores trabajos con el genial Val Lewton, además de “Retorno Al Pasado” y “La Noche Del Demonio”), murió en la localidad francesa de Bergerac el 19 de diciembre de 1977. Tenía 73 años.
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JACQUES TOURNEUR
Precediendo una semana en la muerte a Charles Chaplin, Jacques Tourneur pasó inadvertido toda su carrera. Las historias del cine dedican páginas a su padre Maurice, al que Griffith consideraba un gran cineasta, pero apenas mencionan, si lo hacen, el nombre de Jacques. (…)
A excepción de Stars in my Crown, que Tourneur tenía tantas ganas de hacer que no tuvo inconveniente en aceptar el salario de un debutante, todas sus películas fueron de encargo. Tourneur era conocido por hacer con nada películas que se tenían en pie. Es lo menos que se puede decir de él. Considerado en Hollywood como un pequeño artesano, por no decir que un destajista, hoy que se han desvanecido las glorias terrenales de la Meca del cine la obra de Jacques Tourneur, solitaria, modesta, sin brillo, deja claro esto: mientras que el cine de Hawks es un manifiesto de la evidencia y se afirma por la precisión (de las relaciones, la interpretación de los actores, las acciones, el ritmo, etc.), el cine de Jacques Tourneur es un manifiesto de la verdad que se esconde en el cine mismo. Nada se camufla en él: los elementos más despreciables (según algunos) o los más pobres y convencionales (a mi juicio) tienen algo que decir aquí. Incluso el vacío de las convenciones y las censuras es expresivo. En los tiempos muertos de las películas de Jacques Tourneur la vanidad de Hollywood se pone al desnudo.
Su cine reposa en la creencia en lo invisible, que comienza por identificarse con el espacio y los sonidos fuera de campo para atraer hacia sí el lenguaje que asociamos al dominio de los muertos, a los fantasmas, al más allá, y que el cine es capaz de hacer dialogar con lo visible, con los límites del encuadre y una cierta familiaridad psicológica expresada por los actores. Jacques Tourneur ha fundado su cine sobre este intercambio que era natural para él, y que han alcanzado al final de sus vidas Dreyer, Fritz Lang y Mizoguchi.
Respecto al silencio del conjunto de críticos y cineastas -hay algunas raras y preciosas excepciones- lo mejor es no tratar de justificar el lugar que se concede aquí a Jacques Tourneur. No obstante se puede añadir que en todo el cine americano él fue el único (más radicalmente aún que Nicholas Ray) que minó totalmente la identificación en el cine y su estructura circunstancial, hasta el punto de que ningún elemento de sus películas está por delante del resto. Incluso con artistas tan grandes como McCarey se puede, desde cierta perspectiva, percibir la importancia de la interpretación de los actores. En las películas de Jacques Tourneur cada elemento debe confundirse en el conjunto que forma la película y poner de manifiesto el lugar que ocupa. Los personajes van así hacia el anonimato y participan como relevos: esto es lo que la puesta en escena intenta hacer sentir. Superpone a la maquinaria hollywoodiense un revestimiento ficcional tan cargado de sentido como justo y transparente. La totalidad de la obra americana de Tourneur constituye, sin pretenderlo, el gran negativo del cine hollywoodiense entre 1940 y el declive de este último hacia 1957, que coincide entre otras cosas con la marcha de Fritz Lang, con el cambio radical de tonalidad de Hawks después de Río Bravo, etc…
Jean-Claude Biette, Poétique des auters. Éditions de l’Etoile, 1988. (Artículo original publicado en Cahiers du cinéma nº285, febrero 1978)
At Land (1944)
Hubo una época en que el Universo se concebía como el pasivo escenario en el cual se representaba y se resolvía el conflicto de las voluntades humanas. Hoy el hombre ha descubierto que lo que parecía simple y estable es, por el contrario, complejo y volátil; sus propias invenciones han puesto en movimiento nuevas energías para las que tiene que inventar aún una nueva forma de relacionarse. A diferencia de Ulises, ya no puede viajar por un universo estable en espacio y tiempo en busca de aventuras, tampoco puede resolver antagonismos personales con un adversario deportivamente apropiado en estatura; sino que cada individuo es el centro de un vórtice personal, y la agresiva variedad y enormidad de las aventuras a las que tendrá que hacer frente están unificadas solo por su identidad personal.
Siendo un arte del tiempo y del espacio, el cine está especialmente capacitado como instrumento artístico para crear una forma en la cual la integridad de la identidad individual tiene como contrapunto al personaje volátil de un universo relativo. Esta relación dinámica, con todas sus implicaciones emocionales e ideológicas, es la preocupación central de esta película.
Sobre At Land, El universo dereniano. Textos fundamentales de la cineasta Maya Deren. Prólogo, selección, edición y traducción de Carolina Martínez. Ediciones de la Universidad de Castilla- La Mancha. Cuenca, 2015.
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At Land (1944) es una película experimental muda de 15 minutos dirigida y protagonizada por Maya Deren. Narración onírica en la que una mujer, interpretada por Deren, es arrastrada por el mar hasta una playa, y emprende un extraño viaje en el que se encuentra con otras personas y con otras versiones de sí misma. Deren dijo una vez que la película trata sobre la lucha para mantener la identidad propia.
Tanto el compositor John Cage como el crítico de cine Parker Tyler participaron en la elaboración, y aparecen en la película, que fue rodada en Amagansett, Long Island.
At Land (1944) is a 15-minute silent experimental film written, directed by, and starring Maya Deren. It has a dream-like narrative in which a woman, played by Deren, is washed up on a beach and goes on a strange journey encountering other people and other versions of herself. Deren once said that the film is about the struggle to maintain one’s personal identity.
The composer John Cage and the poet and film critic Parker Tyler were involved in making the film, and appear in the film, which was shot at Amagansett, Long Island.
I Walked with a Zombie (1943)
En tres películas legendarias, Jacques Tourneur inventó a la vez el cine fantástico y el cine moderno. Gracias a su total complicidad con Val Lewton, productor inteligente de un puñado de apasionantes películas de serie B, Tourneur pone aquí a punto lo que le servirá de moral y de estética: la certeza de que la angustia no se muestra, solo se sugiere. La poesía de I Walked With a Zombie viene precisamente de un mundo extraño y desconocido, hecho de sombras y de amenazas, en el que se avanza con los ojos muy abiertos como en un sueño despierto. En esta pesadilla caribeña, una mujer joven descubre progresivamente la magia de los maleficios del vudú al ritmo lánguido de unos calipsos hipnóticos. Aunque Tourneur sea un adepto cabal de las ciencias ocultas, nunca cae en los oscurantismos sectarios y contemporáneos del estilo de Expediente X. Aquí somos libres de elegir nuestro bando y nuestras creencias, en la gran tradición democrática del gran cine clásico. Mejor estructurada que Cat People pero menos sutil que The Leopard Man, I Walked With a Zombie procede con los mismos métodos atípicos en Hollywood: un arte inédito de hacer susurrar a los actores, una predilección por intérpretes que se parecen, una curiosa mezcla de lentitud y precipitación.
En el fondo, el cine de Jacques Tourneur es una especie de fascinante híbrido entre el post-expresionismo estilizado de Alfred Hitchcock y los juegos infantiles de Jean Cocteau. Pero a diferencia de estas dos estrellas del negocio del espectáculo, Tourneur era un hombre tímido, que rehuía los flashes, que pasó toda su vida a la sombra gloriosa de su padre, Maurice Tourneur, quien conoció en Hollywood una gloria que siempre se negó a su hijo. Gracias al gran éxito comercial de sus tres pequeñas películas de terror, Tourneur podrá al menos entregarse a sus curiosos experimentos de alquimista durante una quincena de años. De Out of the Past a Night of the Demon, tratará de establecer con el miedo* una alianza, una verdadera relación de noviazgo. – Louis Skorecki, Les violons ont toujours raison. Presses Universitaires de France, 2000
* peur es femenino en francés
Traducción de los texto: Javier Oliva y Carolina Martínez