CINEINFINITO / CINE ESTUDIO
Jueves 12 de Julio de 2018, 19:30h, Círculo de Bellas Artes
Calle Alcalá, 42
28014 Madrid
Programa:
One11 and 103 (1992) 16mm, b&w, sound, 94 min
*Sesión presentada por Ramón del Buey
Formato de proyección: video digital (Copia cortesía de Electronic Arts Intermix, NY)
Agradecimiento especial para The John Cage Trust y Electronic Arts Intermix
John Cage (nacido en 1912, California, fallecido en 1992, Nueva York) fue compositor, escritor, filósofo y artista visual. Cage fue elegido para el Instituto de la Academia Americana y el Instituto de Artes y Letras en 1968, y para la Academia Americana de las Artes y las Ciencias en 1978. Recibió un Doctorado honoris causa de las Artes Escénicas del Instituto de las Artes de California en 1986; y también recibió una beca Guggenheim. Era miembro del Centro de Estudios Avanzados de la Universidad Wesleyan; compositor residente en la Universidad de California, Davis; y profesor de poesía en las conferencias Charles Eliot Norton de la Universidad de Harvard. Cage fue el director musical de la Merce Cunningham Dance Company y autor de numerosos libros, entre ellos Silence (1973), Empty Words (1979), Writings through Finnegans Wake (1979) y Themes and Variations (1982).
John Cage (b. 1912, California – d. 1992, New York) was a composer, writer, philosopher, and visual artist. Cage was elected to the Institute of the American Academy and Institute of Arts and Letters in 1968, and the American Academy of Arts and Sciences in 1978. He received an honorary Doctorate of Performing Arts from the California Institute of the Arts in 1986, and was also the recipient of a Guggenheim Fellowship. He was a fellow of the Center for Advanced Studies at Wesleyan University; composer-in-residence at the University of California, Davis; and the Charles Eliot Norton Professor of Poetry at Harvard University. Cage was the musical director for the Merce Cunningham Dance Company, and the author of numerous books, including Silence (1973), Empty Words (1979), Writings Through Finnegans Wake (1979) and Themes and Variations (1982).
One11 and 103 (1992)
En este doble trabajo, las abstracciones de la luz viajan a través de los sonidos y el espacio creados por el artista y compositor John Cage. Aunque se concibió como un trabajo unificado, la pieza también debe considerarse como una unión de dos obras discretas, cada una de las cuales se sostiene por sí misma. One11 es una composición «para operador solista». Cage escribe: «One11 es una película sin tema. Hay luz, pero no personas, ni cosas, ni ideas sobre repetición y variación. Es una actividad sin sentido que, no obstante, es comunicativa, como la luz misma, que escapa a nuestra atención como comunicación porque no tiene contenido para restringir su poder transformador e informador «. De 103, Cage escribe:» 103 es una obra orquestal. Está dividida en diecisiete partes. Las longitudes de las diecisiete partes son las mismas tanto para las cuerdas como para la percusión. Los instrumentos de viento y los de metal siguen otro plan… Siguiendo operaciones azarosas, el número de instrumentos de viento cambia para cada una de las diecisiete partes. «Cuando estas dos obras se tocan juntas, el título se convierte en One11 y 103. (El 11 debe escribirse como superíndice, y el título completo debe estar en cursiva.) La obra se estrenó de esta manera en 1992 en la Filarmónica de Colonia, por la Orquesta de Radio y Sinfónica del WDR. Esta versión en video fue supervisada por Cage.
Director de fotografía: Van Theodore Carson. Director: Henning Lohner. Montador: Bernadine Colish. Escritor / Compositor: John Cage.
In this double work, abstractions of light travel across and into the sounds and space created by artist and composer John Cage. While intended as a unified work, the piece must also be considered as a joining of two discrete works, each of which stands on its own. One11 is a composition «for solo camera man.» Cage writes: «One11 is a film without subject. There is light but no persons, no things, no ideas about repetition and variation. It is meaningless activity which is nonetheless communicative, like light itself, escaping our attention as communication because it has no content to restrict its transforming and informing power.» Of 103, Cage writes: «103 is an orchestral work. It is divided into seventeen parts. The lengths of the seventeen parts are the same for all the strings and the percussion. The woodwinds and the brass follow another plan… Following chance operations, the number of wind instruments changes for each of the seventeen parts.» When these two works are played together, the title becomes One11 and 103. (The 11 must be written as superscript, and the full title must be italicized.) The piece was premiered in this manner in 1992 at the Cologne Philharmonie, by the Radio and Symphony Orchestra of the WDR. This video version was supervised by Cage.
Director of Photography: Van Theodore Carson. Director: Henning Lohner. Editor: Bernadine Colish. Writer/Composer: John Cage.
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Cage siempre ha vinculado varios medios y probado nuevas técnicas en su trabajo. Nunca pierde la voluntad de probar nuevos experimentos: «Ya soy bastante viejo, y cuando tengo la oportunidad de hacer algo lo tomo de inmediato, en lugar de dudar, ya que no me queda mucho tiempo». Cage dijo esto sobre su primera y única película, producida en el año en que murió. Comenzó a abordar la percepción del vacío y, al mismo tiempo, la calidad aleatoria de lo que sucede en un espacio prescrito ya en 1952 en su pieza 4′ 33′, que consistía enteramente en silencio. Cuarenta años después, dice: «Por supuesto, la película tratará sobre el efecto de la luz en un espacio vacío. Pero ningún espacio está realmente vacío y la luz mostrará lo que hay en él. Y todo este espacio y toda esta luz serán controlados por operaciones aleatorias. «Este simple concepto se puso en marcha profesionalmente, y con una gran cantidad de información técnica, en un estudio de televisión de Munich bajo la dirección de Henning Lohner.
La película ‘One11‘ y la pieza musical ‘103’ se ejecutan en paralelo, sin relacionarse directamente entre sí, pero cada uno tiene 17 partes. Cada una de las partes se basa en aprox. 1.200 operaciones al azar diseñadas por un ordenador que determina cómo se controla la iluminación en un estudio de televisión completamente vacío y los movimientos de una cámara montada en una grúa. El distinguido operador Van Theodore Carlson se convierte así en el exponente de las composiciones. El resultado es una película completamente sin tramas o actores, que Cage espera que cree un alcance más allá de los problemas económicos y políticos y permita a los televidentes encontrarse a sí mismos.
Cage has always linked various media and tried out new techniques in his work. He never loses the will to try out new experiments: ‘I am quite old now, and so when I have the opportunity to do something I take it immediately, rather than hesitating, as I don’t have much time left.’ Cage said this about his first and only film, produced in the year he died. He started to address the perception of emptiness and at the same time the random quality of what happens in a prescribed space as early as 1952 in his piece 4‘ 33′, which consisted entirely of silence. Forty years later he says: ‘Of course the film will be about the effect of light in an empty space. But no space is actually empty and the light will show what is in it. And all this space and all this light will be controlled by random operations.’ This simple concept was implemented professionally and with a great deal of technical input in a Munich television studio under the direction of Henning Lohner.
The film ‘One11’ and the musical piece ‘103’ run in parallel, without relating directly to each other, but each has 17 parts. Each of the parts is based on approx. 1200 random operations devised by a computer and determining how the lighting is controlled in a completely empty television studio and the movements of a crane-mounted camera. The distinguished cameraman Van Theodore Carlson thus becomes the exponent of the compositions. The result is a film entirely without plot or actors, which Cage hopes will create scope beyond economic and political problems and enable viewers to find themselves.
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‘One11 y 103 ‘es muy fuerte, muy atrevida y, finalmente, completamente hipnótica»—Louis Malle, Los Ángeles, 21 de octubre de 1992.
John Cage creó su única película de largometraje en el año en que murió. Un rendimiento sublime para el cámara y la luz, One11 es una película sin tema, en blanco y negro. Hay luz, pero no personas, ni cosas, ni ideas sobre repetición y variación. La impresión final es de otro lugar eterno: vagando libremente por las nubes o, quizás, bajo el mar. Se emplearon operaciones al azar con respecto a la iluminación, las tomas de cámara y el montaje de la película. El ambiente de luz fue diseñado y programado por John Cage y Andrew Culver. El trabajo orquestal 103 musicalmente acompaña a One11. Al igual que la película, 103 tiene 90 minutos de duración, divididos en diecisiete partes; su densidad varía de solos, dúos, tríos a tuttis orquestales completos.
Cage comenzó a abordar la percepción de vacío y, al mismo tiempo, la calidad aleatoria de lo que sucede en un espacio prescrito ya en 1952 en su pieza 4:33, que consistía enteramente en silencio. Cuarenta años después, dijo: «Por supuesto, la película tratará sobre el efecto de la luz en un espacio vacío. Pero ningún espacio está realmente vacío y la luz mostrará lo que hay en él. Y todo este espacio y toda esta luz estarán controlados por operaciones aleatorias «.
Este simple concepto se puso en marcha profesionalmente, y con una gran cantidad de información técnica, en un estudio de televisión de Munich bajo la dirección de Henning Lohner.
La película One11 y la pieza musical («banda sonora») 103 tienen la misma duración y se ejecutan en paralelo, sin relacionarse directamente entre sí, pero cada una tiene 17 partes. Cada una de las partes se basa en aprox. 1.200 operaciones al azar diseñadas por un ordenador que determina cómo se controla la iluminación y los movimientos de la cámara montada en la grúa.
El resultado, ayudado por el distinguido operador Van Theodore Carlson, es una película completamente sin trama o actores, que Cage espera que permita a los espectadores encontrarse a sí mismos.
«One11 and 103‘ is very strong, very daring, and finally completely mesmerizing.»
— Louis Malle, Los Angeles, 21 October 1992
John Cage created his only feature-length film in the year he died. A sublime performance for camera person and light, One11 is a film without subject, in black and white. There is light but no persons, no things, no ideas about repetition and variation. The final impression is of another, timeless place – freely roaming the clouds or, perhaps, under the sea. Chance operations were used with respect to the lighting, camera shots and the editing of the film. The light environment was designed and programmed by John Cage and Andrew Culver. The orchestral work 103 musically accompanies One11. Like the film, 103 is 90-minutes long, divided into seventeen parts – its density varies from solos, duos, trios to full orchestral tuttis.
Cage started to address the perception of emptiness and at the same time the random quality of what happens in a prescribed space as early as 1952 in his piece 4:33, which consisted entirely of silence. Forty years later he said: «Of course the film will be about the effect of light in an empty space. But no space is actually empty and the light will show what is in it. And all this space and all this light will be controlled by random operations.»
This simple concept was implemented professionally and with a great deal of technical input in a Munich television studio under the direction of Henning Lohner.
The film One11 and the musical piece («soundtrack») 103 are of the same duration and run in parallel, without relating directly to each other, but each has 17 parts. Each of the parts is based on approx. 1200 random operations devised by a computer and determining how the lighting is controlled and the movements of a crane-mounted camera.
The result, aided by the distinguished cameraman Van Theodore Carlson, is a film entirely without plot or actors, which Cage hopes will enable viewers to find themselves.
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John Cage
One11 with 103
En 1992, John Cage rechazó varias invitaciones para asistir a las celebraciones por su 80 cumpleaños para dedicarse a la realización de One11, el undécimo trabajo para solista (de ahí el título) en la serie de Piezas que lo ocuparon durante los últimos cinco años de su vida. El intérprete en este caso era un único operador, Van Carlson, y el ambicioso proyecto de Cage era nada menos que una película de larga duración (90 minutos) sin personajes ni trama, dirigida por Henning Lohner y acompañada (o no, según el caso) por el trabajo orquestal 103, que data de septiembre de 1991. Es simplemente una de las grandes obras de Cage, y una de las más complejas y lentas de realizar, aunque como siempre la idea básica fue notablemente simple: el empleo de procedimientos aleatorios del I-Ching para determinar la ubicación, el ángulo de proyección y la intensidad de 168 luces en un estudio de televisión vacío y proporcionar al único operador una puntuación calculada de manera similar para definir los movimientos de la cámara (posteriormente se diseñó un plan de trabajo similar para el montaje de la película que tuvo lugar en Nueva York después de la filmación de la película en Alemania en abril de 1992). La película consta de 17 escenas, cada una de las cuales se divide en tomas, y la idea de Cage fue prescindir del montaje en la medida de lo posible; sorprendentemente solo se dejaron fuera 600m de película, y fueron debidamente saqueados para proporcionar el telón de fondo visual de los créditos de apertura. Andrew Culver programó los cálculos del compositor en un ordenador que controlaba los cambios de iluminación, unos 1.200, cada uno con hasta veinte luces diferentes, y todos los recursos del estudio en el Estudio Fernseh de Munich se pusieron a disposición de Cage.
Filmada por completo en 35 mm en blanco y negro, One11 consiste predominantemente en panorámicas lentas a través de la pared en blanco del estudio, iluminada por suaves manchas ovaladas de luz de intensidad variable que se desplazan por la pantalla como nubes. Es una experiencia notablemente hermosa en conjunción con los acordes sostenidos y ocasionalmente puntiagudos de la 103, dos versiones de la cual se hayan incluidas en el disco como bandas sonoras alternativas, una interpretada por la Orquesta Sinfónica de la WDR de Colonia dirigida por Arturo Tamayo y la otra por el Festival de Spoleto. Orquesta dirigida por John Kennedy. El disco también incluye dos documentales sobre la creación de la película, que incluyen explicaciones perspicaces de las personas involucradas y algunas citas escogidas del propio Cage. Cuando se le preguntó por qué finalmente había decidido aventurarse en la película, responde: «si tengo la oportunidad de hacer algo, salta en lugar de dudar. Porque no me queda mucho tiempo.» Y, más tarde:» En este día de violencia, superpoblación, guerra y colapso económico, nos da algo para disfrutar». Sí lo hace.
—Dan Warburton, Paris Transatlantic Review, enero de 2007
In 1992, John Cage declined several invitations to attend celebrations marking his 80th birthday in order to devote himself to the completion of One11, the eleventh work for solo performer (hence the title) in the series of Number Pieces that occupied him during the five last years of his life. The performer in this case was a solo cameraman – Van Carlson – and Cage’s ambitious project was nothing less than a full-length film (90 minutes) with no characters and no plot, directed by Henning Lohner and accompanied (or not as the case may be) by the orchestral work 103, which dates from September 1991. It’s quite simply one of Cage’s great works, and one of the most complex and time-consuming to realise, though as usual the basic idea was remarkably simple: use I-Ching generated chance procedures to determine the placement, angle of projection and intensity of 168 lights in an empty television studio and provide the solo cameraman with a similarly calculated score defining camera movements (a similar chance-generated working plan was subsequently devised for the editing of the film that took place in New York after the film had been shot in Germany in April 1992). The film consists of 17 scenes, each of which is further divided into takes, and Cage’s idea was to dispense with editing as far as possible; amazingly only 600m of film were not used, and were duly pillaged to provide the visual backdrop to the opening credits. Andrew Culver programmed the composer’s calculations into a computer which controlled the lighting changes – some 1200 of them, each featuring up to twenty different lights – and the full resources of the studio in Fernseh Studio Munchen were put at Cage’s disposal.
Shot entirely in 35mm black and white, One11 consists of predominantly slow pans across the blank wall of the studio, illuminated by soft oval patches of light of varying intensity that drift across the screen like clouds. It’s a remarkably beautiful experience in conjunction with the rich sustained chords and occasional spiky twangs of 103, two versions of which are included on the disc as alternative soundtracks, one performed by the WDR Sinfonieorchester Köln conducted by Arturo Tamayo, the other by the Spoleto Festival Orchestra conducted by John Kennedy. The disc also includes two documentaries on the creation of the film, including insightful explanations by the people involved and some choice quotations from Cage himself. When asked why he’d finally decided to venture into film, he answers: «if I get an opportunity to do something, I jump at it instead of hesitating. Because there isn’t much time left.» And, later: «In this day of violence, overpopulation, war and economic collapse, it gives us something to enjoy.» It does indeed.
— Dan Warburton, ParisTransatlantic Review, January 2007
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Algo sobre nada: John Cage
A medida que avanzan los lanzamientos de John Cage, este probablemente sea tan importante como sea posible. «El primer lanzamiento comercial del único largometraje de Cage», las trompetas de la contraportada, pero, como Cage es Cage, esta película trata sobre el material de la película. No hay trama ni personajes: de hecho, no se ve ninguna forma humana en la pantalla durante los 90 minutos de duración. En cambio, un operador, guiado por procedimientos aleatorios derivados del I Ching, manipula patrones de luz y sombra en constante evolución sobre un fondo fijo.
Haciéndose eco de su aforismo travieso «No tengo nada que decir y lo digo», Cage confirma que su película trata sobre «nada» en el documental adjunto. Subraya su convicción central de que el sonido no debería ser representativo de otra cosa que no sea el mismo, y la transferencia de estos principios al cine en 1992 fue un desarrollo natural. Cage se había involucrado cada vez más con el arte visual a lo largo de la década de 1980 y los límites se volvieron algo arbitrarios. ¿Por qué no dar instrucciones a los flautistas, cantantes y también a los operadores?
One11 comienza con una larga serie de créditos y la frase que cada autor aspira a ver: «A Film By John Cage». Los reconocimientos incluyen agradecimientos hacia Frank Zappa y Dennis Hopper, y la película en sí misma se convierte en una película abstracta pre-sonora. La calidad granulada en blanco y negro de la imagen permite una rica paleta de tonos y texturas, y las imágenes son tan sorprendentes que sus ojos no pueden dejar de escuchar con atención.
También hay extras para los oídos. Los espectadores pueden elegir entre dos interpretaciones diferentes de la pieza orquestal de Cage 103 (1991) para acompañarlas, y el contrapunto entre lo visual y lo sonoro es una amplia prueba de lo holística que se había vuelto la visión de Cage. Los sonidos son de otro mundo y revolotean. Ocasionalmente, el monolito orquestal se derrite para permitir que los detalles subyacentes contengan suficiente oxígeno, o se rompe por golpes de percusión estruendosos. Cage mismo parece frágil y murió poco después de que apareciera One11. Pero qué extraordinario lanzamiento de dados de despedida.
— Philip Clark, The Wire, febrero de 2007
Something about nothing: John Cage
As new releases of John Cage go, this is probably about as major as it gets. «The first commercial release of Cage’s only feature-length film,» the back cover trumpets, but, Cage being Cage, this film is about the material of the film making itself. There’s no plot or characters – in fact, no human form is seen on the screen for the 90 minutes stretch of its duration. Instead, a cameraman, guided by chance procedures derived from the I Ching, manipulates constantly evolving patterns of light and shade against a fixed backdrop.
Echoing his wisecracking aphorism «I have nothing to say and I am saying it», Cage confirms that his film is about «nothing» in the accompanying documentary. He underlines his central credo that sound should not be representative of anything else other than itself, and transferring these principles to film in 1992 was a natural development. Cage had increasingly involved himself with visual art throughout the 1980s and boundaries became somewhat arbitrary. Why not give instructions to flautists, singers and also cameramen?
One11 begins with a long series of credits and the line that every auteur aspires to see: «A Film By John Cage». The acknowledgements include nods towards Frank Zappa and Dennis Hopper, and the film itself splutters into being like an abstract pre-talkie flick. The black and white grainy quality of the picture allows for a rich palette of tones and textures, and the images are so disarmingly striking that your eyes can’t help but listen carefully.
There are extras for the ears, too. Viewers can choose between two different performances of Cage’s orchestral 103 (1991) to accompany, and the counterpoint between visual and sound is ample proof of how holistic Cage’s vision had become. The sounds are otherwordly and hovering. Occasionally the orchestral monolith melts to allow underlying details sufficient oxygen, or gets broken by thunderous percussion whacks. Cage himself looks frail and died shortly after One11 appeared. But what an extraordinary valedictory throw of the dice.
— Philip Clark, The Wire, February 2007
Traducción de los textos: Oscar Oliva