Cineinfinito #79: Joyce Wieland

CINEINFINITO / Centro Cultural Doctor Madrazo
Martes 18 de Diciembre de  2018, 18:00h. Centro Cultural Doctor Madrazo
Calle Casimiro Sainz, s/n
39004 Santander

Programa:

Water Sark (1965), 16mm, sonora, color, 13:30
Sailboat (1967), 16mm, sonora, color, 2:45
Cat Food (1967), 16mm, sonora, color, 13:30
Dripping Water (1969)**, 16mm, sonora b/w, 10:22
Solidarity (1973), 16mm, sonora, color, 10:40
A & B in Ontario (1984), 16mm, sonora, b/n, 16:05
Birds at Sunrise (1986), 16mm, sonora, color, 10:15

[**Dripping Water (1969) ha sido sustituida –a petición de Michael Snow– por Birds at Sunrise (1986)]

*Sesión presentada por Esperanza Collado

Formato de proyección: HD (copias cortesía de Canadian Filmmakers Distribution Centre)

(Agradecimiento especial a Esperanza Collado y a Canadian Filmmakers Distribution Centre)


Joyce Wieland, OC (Orden de Canadá), artista, cineasta (nacida el 30 de junio de 1931 en Toronto, Ontario; muerta el 27 de junio de 1998 en Toronto). Fue una pionera del arte feminista y la primera mujer que mereció una exposición individual en la National Gallery of Canada y en la Art Gallery of Ontario; Joyce Wieland fue una figura destacada e influyente en la escena del arte canadiense desde los años 60 a los 80.

Educación e inicios de su carrera

Joyce Wieland estudió en la Central Technical School de Toronto, inicialmente diseño de moda. Fue allí donde Wieland fue alumna de la legendaria pintora de Toronto Doris McCarthy, que apoyó su obra y su sentido de independencia, y que se convirtió en su primer modelo como artista. Después de graduarse en 1948, Wieland trabajó como diseñadora gráfica, produjo obras de arte en su estudio del centro de la ciudad de Toronto y viajó a Europa. Fue contratada en el estudio de cine comercial de animación Graphic Associates, donde conoció a su futuro marido, el artista Michael Snow. Wieland y Snow se casaron en 1956.

Wieland participó en exposiciones colectivas a lo largo de los años 50, pero no fue hasta 1960 cuando tuvo su primera exposición individual de pinturas en la Isaacs Gallery de Toronto. Allí expuso cuadros de estilo expresionista abstracto, además de dibujos y animaciones, y más tarde instalaciones.

Los años de Nueva York

Entre 1962 y 1971, Wieland y Snow vivieron en Nueva York. Allí ella siguió pintando, pero también expandió su arte hacia el ensamblaje de materiales diversos y otras obras mixtas audiovisuales. Stranger in Town (1963), por ejemplo, contiene tiras de ropa pegadas a un fondo rojo oscuro, y en la parte alta del lienzo una pompa de cartón blanco que lleva escrito “Howdy Stranger!” (¡Hola, extranjero / extraño!) Reason over Passion (1968), que alude y critica implícitamente la idea de “obra de mujeres”, es una colcha ligera que tiene tejida en el centro la frase “reason over passion” (la razón por encima de la pasión), y corazones flotando en sus extremos. La obra de Wieland durante este periodo fue sensible tanto a las tendencias estéticas de Nueva York, tales como el pop art y el conceptual, como a cuestiones políticas y culturales de la época: la guerra de Vietnam, el feminismo, y el medio ambiente.

En este periodo, ella se convirtió en una figura importante en el mundo del cine experimental, con obras premiadas como Rat Life and Diet in North America (Vida y dieta de rata en Norteamérica, 1968) and La Raison avant la passion (La razón antes que la pasión, 1967–69). Como su colega el pintor canadiense Jack Chambers, que hizo también importantes películas experimentales, las de Wieland no se separan de sus otras actividades artísticas; muestran inquietud por los materiales con las que están hechas y la manera en que las imágenes se crean y se componen, entre otras cosas. Más tarde Wieland llegó a hacerse famosa por su largometraje The Far Shore (La orilla lejana, 1976), una reinterpretación feminista de la historia de Tom Thomson.

Regreso a Canadá

En 1971, Wieland obtuvo una gran exposición individual en la National Gallery of Canada, con el título True Patriot Love (Amor de verdadera patriota). Esta fue la primera gran exposición dedicada por este museo a una mujer canadiense viva, e incluyó algunas de las obras más conocidas de Wieland, tales como The Spirit of Canada Suckles the French and English Beavers (El espíritu de Canadá amamanta a los castores franceses e ingleses, 1970–1971) y O Canada (1970), una imagen de labios que cantan el himno nacional. Poco después de la exposición en la National Gallery, Wieland y Snow volvieron a Canadá y se trasladaron a vivir en Toronto – Wieland, cuya faceta activista había adquirido una importancia creciente, sentía que no podía comprometerse de forma adecuada en este tipo de obras viviendo en los Estados Unidos. El matrimonio de Wieland y Snow se deshizo a finales de los años 70.

En los años 80, Wieland perdió interés en la política y volvió a pintar, creando obras brillantes y agresivas con temas alternativamente sexuales y espirituales. En abril de 1987, la Art Gallery of Ontario organizó una gran exposición itinerante de la obra de Wieland, su primera retrospectiva de una artista canadiense viva. En septiembre de 1987, Wieland recibió el premio de artes visuales de la Toronto Arts Foundation. Tuvo posteriores exposiciones monográficas en la Casa de Canadá de Londres (1988), Galería de Arte de la Universidad McMaster en Hamilton, Ontario (1990) y en el Agnes Etherington Art Centre en Kingston, Ontario (1994-95).

Wieland siempre tuvo un interés apasionado por la perspectiva estética de la mujer artista, y extrajo su inspiración de la historia, política y ecología canadiense. Su búsqueda la condujo a desafiar la dominancia de la pintura y los materiales tradicionales en el arte elevado mediante el uso de materiales domésticos y de artesanía. Sus obras desafían las jerarquías aceptadas, e incluyen no solo pinturas, litografías, collages y películas, sino también dibujos animados, bordados, tejidos, bordados y, en el caso de True Patriot Love, un pastel exquisitamente decorado. En su obra sobre tela y en sus películas, Wieland recurrió al imaginario femenino pero también a los materiales que las mujeres utilizan en el día a día. También exploró modelos de colaboración y creación colectiva. En sus últimas pinturas, Wieland volvió al paisaje visionario y las imágenes figurativas.

Entre sus obras de encargo figuran la que le hizo en 1972 Correos de Canadá para el sello del Día Mundial de la Salud; Defend the Earth/Défendez la terre (Defended la Tierra), un mural de pared bordado para la National Science Library, Ottawa (1972-73); el ensamblaje de ropa bordada Barren Ground Caribou (Territorio devastado de caribous), para el metro de Spadina, Toronto (1977-78); Celebration (Celebración), un encargo de mural para el Cineplex Odeon por parte del Pantages Theatre de Toronto (1987); y The Ocean of Love (El océano del amor), encargada por la compañía ferroviaria Via Rail (1990). Joyce Wieland fue miembro de la Royal Canadian Academy of Arts y recibió la Orden de Canadá en 1982.

Joyce Wieland, OC (Order of Canada), artist, filmmaker (born 30 June 1931 in Toronto, ON; died 27 June 1998 in Toronto). A pioneering feminist artist and the first woman to receive a solo exhibition at the National Gallery of Canada and the Art Gallery of Ontario, Joyce Wieland was a prominent and influential figure in the Canadian art scene from the 1960s to the 1980s.

Education and Early Career

Joyce Wieland studied at Central Technical School in Toronto, where she initially studied fashion design. It was at Central Tech that Wieland studied with legendary Toronto painter Doris McCarthy, who supported her art and sense of independence and became her first role model as an artist. After graduating in 1948, Wieland worked as a graphic designer, made art in her studio in downtown Toronto and traveled to Europe. She eventually took a job at the animated and commercial film studio Graphic Associates, where she met her future husband, the artist Michael Snow. Wieland and Snow were married in 1956.

Wieland participated in group shows through the 1950s, but it was not until 1960 that she was given her first solo exhibition of paintings at the Isaacs Gallery, Toronto. There she showed paintings in an abstract expressionist genre as well as drawings and cartoons and later her constructions.

The New York Years

From 1962 to 1971, Wieland and Snow lived in New York. While in New York, she continued to paint but also expanded into assemblages using various materials and other mixed media work. Stranger in Town (1963), for instance, has strips of cloth affixed to a dark burgundy ground, a white cartoon bubble with “Howdy Stranger!” written high on the canvas. Alluding to and implicitly critiquing the idea of “women’s work,” Reason over Passion (1968) is a soft quilt, the phrase “reason over passion” sewn into its middle, hearts floating at its edges. Wieland’s work during this period was sensitive both to the aesthetic trends in New York, such as pop art and conceptual art, and to the political and cultural issues of the era: the war in Vietnam, feminism, and environmentalism.

While in New York, she became an important figure in the experimental film world with such award-winning films as Rat Life and Diet in North America (1968) and La Raison avant la passion (1967–69). Like fellow Canadian painter Jack Chambers, who also made important experimental films, Wieland’s films are not divorced from her other artistic activities; they are concerned with, among other things, the materials with which they are made and the ways in which images are created and framed. Wieland later became widely known for her feature-length film The Far Shore (1976), a feminist re-imagining of the story of Tom Thomson.

Return to Canada

In 1971, Wieland was granted a major solo exhibition titled True Patriot Love at the National Gallery of Canada. This was the National Gallery’s first major exhibition devoted to the work of a living Canadian woman artist, and featured some of Wieland’s best-known works, such as The Spirit of Canada Suckles the French and English Beavers (1970–1971) and O Canada (1970), an image of lips singing the national anthem. Shortly after the National Gallery exhibit, Wieland and Snow returned to Canada and lived in Toronto – Wieland, for whom activist art and work had become increasingly important, felt she could not effectively engage in such work while in the United States. Wieland and Snow’s marriage dissolved in the late 1970s.

By the 1980s, Wieland had moved away from politics and returned to painting, creating bright, aggressively painterly works whose themes were by turns sexual and spiritual. In April 1987, the Art Gallery of Ontario mounted a major travelling exhibition of Wieland’s work, its first retrospective of a living Canadian woman artist. In September 1987, Wieland was awarded the Toronto Arts Foundation’s Visual Arts Award. Later solo exhibitions included shows at Canada House in London, England (1988), McMaster University Art Gallery in Hamilton, Ontario (1990) and the Agnes Etherington Art Centre in Kingston, Ontario (1994-95).

Passionately concerned with the aesthetic perspective of the woman artist, Wieland drew inspiration from Canadian history, politics and ecology. Her search led her to challenge the dominance of painting and the traditional materials of high art through the use of domestic and craft materials. Challenging accepted hierarchies, her works included not only painting, lithography, collage and film, but also cartoons, embroidery, knitting, quilting, and, for True Patriot Love, an exquisitely decorated cake. In her fabric work and in her films, Wieland made use of female imagery but also the materials that women employ in their daily lives. She also explored models of collaboration and collective creation. In later paintings, Wieland turned to visionary landscape and figurative imagery.

Wieland’s commissions included the 1972 Canada Post office commission for a World Health Day stamp; Defend the Earth/Défendez la terre, a quilted wall mural for the National Science Library, Ottawa (1972-73); the quilted cloth assemblage, Barren Ground Caribou, for the Spadina Subway, Toronto (1977-78); Celebration, a Cineplex Odeon Mural Commission for Toronto’s Pantages Theatre (1987); and The Ocean of Love, commissioned for Via Rail’s transcontinental train (1990). Joyce Wieland was a member of the Royal Canadian Academy of Arts and was made an Officer of the Order of Canada in 1982.


Water Sark (Blusa para el agua, 1965)

“Decidí hacer una película en mi mesa de cocina; no hay nada como conocer mi mesa. El arte elevado del ama de casa. Recibes a través de ella prismas, cristal, luces y a mí misma. “El ama de casa es elevada”. “Water Sark” es una película-escultura, hecha mientras tú esperas” – Joyce Wieland

“I decided to make a film at my kitchen table, there is nothing like knowing my table. The high art of the housewife. You take prisms, glass, lights and myself to it. “The Housewife is High.” “Water Sark” is a film sculpture, being made while you wait.” – Joyce Wieland


Sailboat (Barco de vela, 1967)

“‘Sailboat’ tiene la simplicidad de un dibujo infantil. Una imagen como de juguete de un velero navega sin interrupción sobre el agua, acompañada del sonido de olas que rompen, que parece subrayar la imagen con un punto de exageración, de la manera en que un niño podría pintar el agua y escribir onomatopeyas encima para hacerla lo más enfática posible. La pequeña imagen se interrumpe en un punto debido a un hombro gigantesco que aparece brevemente en la esquina izquierda.” – Robert Cowan, Take One

“Esta pequeña película, Sailboat, entrará en ti navegando hasta tu corazón” – Joyce Wieland

“Un día en la playa, en el mar y en los veleros” – Michael Snow

“‘Sailboat’ has the simplicity of a child’s drawing. A toy-like image of a sailboat sails without interruption on the water, to the sound of roaring waves, which seems to underline the image to the point of exaggeration, somewhat in the way a child might draw a picture of water and write word sounds on it to make it as emphatic as possible. The little image is interrupted at one point by a huge shoulder appearing briefly in the left-hand corner.” – Robert Cowan, Take One

“This little Sailboat film will sail right through your gate and into your heart.” – Joyce Wieland

“A day at the Beach, at the Sea, at the Sky and at the Sailboats.” – Michael Snow


Cat Food (Comida de gato, 1967)

“Un gato come a su manera metódica un pez polimorfo. El proyector devora al mismo ritmo, metódicamente, la cinta de la película. La Edda de Grimnir menciona a un jabalí salvaje cuya carne mágica era devorada todas las noches por los héroes del Walhalla, y se regeneraba milagrosamente por la mañana en la cocina. El pez en la película de Wieland, y la milagrosa carne de la película misma, se reconstruyen en el rebobinado para ser devorados nuevamente. He aquí una metáfora dionisíaca de inmensa fuerza, con la antigüedad de la civilización occidental. En cuanto vemos que el pez es el protagonista de la acción, esta metáfora reverbera hasta arder en la mente.” – Hollis Frampton

“A cat eats its methodical way through a polymorphous fish. The projector devours the ribbon of film at the same rate, methodically. The lay of Grimnir mentions a wild boar whose magical flesh was nightly devoured by the heroes of Valhalla, and miraculously regenerated next morning in the kitchen. The fish in Wieland’s film, and the miraculous flesh of the film itself, are reconstructed on the rewinds to be devoured again. Here is a dionysian metaphor, old as the West, of immense strength. Once we see that the fish is the protagonist of the action, this metaphor reverberates to incandescence in the mind.” – Hollis Frampton


Dripping Water (Agua que gotea, 1969)

“No se ve nada más que un plato blanco, de cristal blanco, y agua que gotea sobre el plato desde el techo, desde lo alto, y se escucha el sonido del goteo. La película dura diez minutos. Solo puedo imaginar a San Francisco mirando con tanto amor, respecto y serenidad un plato con agua y el agua goteando. La reacción típica es: “¿Vale, y a qué viene esto? Solo un plato y el goteo del agua”. Pero esa es una observación pedante. Esa observación carece de amor por el mundo, por nada. La película de Snow y Wieland eleva el objeto, y deja al espectador con una atención más fina hacia el mundo que lo rodea; puede abrir sus ojos al mundo de las cosas “en sí”. ¿Y cómo se puede amar a las personas si no se ama el agua, la piedra, el cristal?” – Jonas Mekas, New York Times, 1969

“You see nothing but a white, crystal white plate, and water dripping into the plate, from the ceiling, from high, and you hear the sound of the water dripping. The film is ten minutes long. I can imagine only St. Francis looking at a water plate and water dripping so lovingly, so respectfully, so serenely. The usual reaction is: ‘Oh, what is it anyhow? Just a plate of water dripping.’ But that is a snob remark. That remark has no love for the world, for anything. Snow and Wieland’s film uplifts the object, and leaves the viewer with a finer attitude toward the world around him; it can open his eyes to the phenomenal world. And how can you love people if you don’t love water, stone , glass?” – Jonas Mekas, New York Times, 1969


Solidarity(Solidaridad, 1973)

Una película sobre la huelga de Dare a principios de los 70. Cientos de piernas y pies que acordonan, marchan, forman un piquete, con la palabra “solidaridad” superpuesta en la pantalla. La banda sonora es el discurso de uno de los organizadores sobre las condiciones de trabajo. Como sus películas Rat Life and Diet in North America, Pierre Vallieres y Reason Over Passion, Solidarity combina la conciencia política, el punto de vista estético y un sentido del humor único en la obra de Wieland.

A film on the Dare strike of the early 1970s. Hundreds of feet and legs, milling, marching and picketing with the word “solidarity” superimposed on the screen. The soundtrack is an organizer’s speech on the labour situation. Like her films Rat Life and Diet in North America, Pierre Vallieres and Reason Over Passion, Solidarity combines a political awareness, an aesthetic viewpoint and a sense of humour unique in Wieland’s work.


A & B in Ontario (A y B en Ontario, 1984)

“Hollis y yo volvimos a Toronto en las vacaciones de verano de 1967. Nos quedábamos en la casa de un amigo. Trabajábamos de camino a la ciudad, y de vez en cuando íbamos a la isla. Nos seguíamos el uno al otro de acá para allá. Disfrutábamos estando juntos. Dijimos que íbamos a hacer una película el uno sobre el otro –y la hicimos.” – Joyce Wieland

A & B in Ontario fue terminada 18 años después de rodar el material original. Después de la muerte de Frampton, Wieland montó la película como un diálogo cinematográfico en el que los colaboradores (en el espíritu de los 60) se filmaban mutuamente con sus cámaras.

“Hollis and I came back to Toronto on holiday in the summer of ’67. We were staying at a friend’s house. We worked our way through the city and eventually made it to the island. We followed each other around. We enjoyed ourselves. We said we were going to make a film about each other – and we did.” – Joyce Wieland

A & B in Ontario was completed eighteen years after the original material was shot. After Frampton’s death, the film was assembled by Wieland into a cinematic dialogue in which the collaborators (in the spirit of the sixties) shoot each other with cameras.


Birds at Sunrise (Pájaros al amanecer, 1986)

La película se rodó originalmente en 1972. Filmé los pájaros desde mi ventana a lo largo del invierno hasta la primavera, con la primera luz de la mañana. Acabé atrapada en su mundo gélido y su capacidad para sobrevivir al frío glacial. Yo daba la bienvenida a sus trinos y cantos, como una ofrenda de vida y esperanza en la primavera.

En 1984 formé parte de un intercambio cultural entre Canadá e Israel. Durante mi viaje, la película inacabada me volvía a la cabeza y llegó a producirse una conexión mental –de manera que el sufrimiento de los pájaros se convirtió en cierto modo en símbolo de los judíos y su supervivencia a través del sufrimiento. La película empieza con la lectura en hebreo del Salmo 23: constituye el sustrato espiritual para la película. Dedico esta película a Ayala.– Joyce Wieland

The film was originally photographed in 1972. Birds from my window were filmed during the winter, through to the spring, with the early morning light. I became caught up in their frozen world and their ability to survive the bitter cold. I welcomed their chirps and their songs which offered life and hope for spring.

In 1984 I was part of a cultural exchange between Canada and Israel. During my visit my unfinished movie came to mind. A connection was established in my mind – so that the suffering of the birds became, in a sense, symbolic of the Jews and their survival through suffering. The film begins with the reading in Hebrew of the 23rd Psalm. This lays the spiritual ground to the film. I dedicate this film to Ayala.– Joyce Wieland


Traducción de los textos: Javier Oliva