CINEINFINITO / CINE ESTUDIO
Sábado 29 de Junio de 2019, 21:30h, Círculo de Bellas Artes
Calle Alcalá, 42
28014 Madrid
Programa:
60 metri per il 31 marzo (1968)** 8mm, b&w, silente, 15 min.
Versus (1968)** 16mm, b&w, silente, 14 min.
Migrazione (1970)* 16mm, b&w, sonora, 60 min.
Ricercar (1973)** 16mm, color, sonora, 5 min.
· La sesión contará con la presentación de Massimo Bacigalupo
Formato de proyección: DCP (cortesía de CSC Cineteca Nazionale* y Home Movies: Archivio Nazionale del Film di Famiglia**)
Agradecimiento especial a Massimo Bacigalupo, Mirco Santi, Maria Assunta Pimpinelli, Laura Argento y CSC Cineteca Nazionale
Massimo Bacigalupo (Rapallo, Génova, Italia, 1947). Sus primeras obras fueron producidas por el Club de cine amateur local. Durante algunos años colaboró en la organización del Festival Internacional de cine amateur de Rapallo. En 1966 su largometraje Quasi una tangente ganó el primer premio en el Festival de cine de Montecatini. Bacigalupo, que tenía entonces diecinueve años, recuerda que estaba sentado entre el público con Lillian Gish y Anita Loos, que visitaban casualmente Montecatini (Lillian era amiga de los padres de Massimo). Antes, a través de su relación personal con el poeta Ezra Pound, Bacigalupo conoció a cineastas y gente del círculo del New American Cinema, incluyendo a Guy Davenport, Stan Brakhage, Gregory Markopoulos, Jonas Mekas y Abbott Meader. En 1970 hizo una traducción italiana de Metaphors on Vision de Brakhage. En 1964 llevó a Rapallo una selección de películas americanas, incluyendo obras de Ron Rice y Maya Deren, que produjeron una impresión duradera. Entre 1966 y 1971 estudió en la universidad en Roma, donde fue miembro fundador de la Cooperativa italiana de cineastas, y se dedicó a producir y distribuir películas independientes. En 1968 rodó 60 metros para el 31 de marzo, una película-happening muda y sin montaje en 8 mm. Entre 1969 y 1970 realizó Eryngium, una serie de cuatro películas con una duración total de dos horas. El título se refiere al autorretrato de Durero, y este cuarteto de películas equivale a un autorretrato colectivo del estudiante y el mundo del arte en la Italia de esa época. La película más larga de la serie, Migración, una celebración de la Diosa Madre y sus múltiples encarnaciones, se estrenó en el Festival de Cine de Londres de 1970. Bacigalupo viajó con una selección de películas underground italianas a través de Dinamarca, Suecia y Alemania (1970), y más tarde España (1974) e Inglaterra (Tate Gallery, 1983). Hizo estudios de doctorado en la Universidad de Columbia, y en 1975 obtuvo el doctorado en literatura americana. Warming Up, una película en color rodada en Italia y Estados Unidos, se estrenó en Anthology Film Archives (Nueva York), el día en que Bacigalupo cumplía 26 años, el 20 de abril de 1973. En 1975 rodó Postcards from America, un libro de viajes soñado, y también Into the House, un homenaje a la familia americana de su madre. Desde entonces Bacigalupo ha trabajado como académico, crítico y docente. Es profesor de literatura americana en la Universidad de Génova, y ha recibido numerosos premios por su trabajo como traductor, en especial de poesía inglesa y norteamericana. Vive en Rapallo.
Massimo Bacigalupo (Rapallo, Genoa, Italy, 1947). His first works were produced for the local Amateur Film Club. For some years he helped organize the Rapallo International Amateur Film Festival. In 1966 his feature Quasi una tangente was awarded first prize in the Montecatini Film Festival. Bacigalupo, who was nineteen-year-old at the time, remembers that he was sitting in the audience with Lillian Gish and Anita Loos, who happened to be visiting Montecatini (Lillian was a friend of Massimo’s parents). Early on, through his personal acquaintance with poet Ezra Pound, Bacigalupo met film-makers and associates of the New American Cinema, among them Guy Davenport, Stan Brakhage, Gregory Markopoulos, Jonas Mekas, and Abbott Meader. In 1970 he prepared an Italian translation of Brakhage’s Metaphors on Vision. He brought to Rapallo in 1964 a selection of American films, among them works by Ron Rice and Maya Deren, which made a lasting impression. In 1966-71 he was a university student in Rome, where he was a founding member of the Italian Film-makers’ Cooperative, and was involved in producing and distributing independent films. In 1968 he shot 200 Feet for March 31, an uncut and silent 8mm film- happening. He went on in 1969-70 to create Eringio, a series of four films running over two hours. The title refers to Dürer’s self-portrait, and this film quartet amounts to a collective self-portrait of the student and art world in Italy at the time. The longest film of the series, Migration, a celebration of the Great Mother and her many incarnations, was premiered at the 1970 London Film Festival. Bacigalupo travelled with a showcase of Italian underground films to Denmark, Sweden, Germany (1970), and later Spain (1974) and England (Tate Gallery, 1983). He enrolled as a graduate student at Columbia University, receiving his Ph.D. in American literature in 1975. Warming Up, a color film shot in Italy and America, was premiered at the Anthology Film Archives, NYC, on Bacigalupo’s 26TH birthday,April20,1973.In1975heshot Postcards from America, a dream travelogue, and Into the House, an homage to his American mother’s family. Subsequently Bacigalupo has been chiefly active as a scholar, critic and educator. He is Professor of American Literature at the University of Genoa and has received numerous awards for his work as a translator, chiefly of English and American poetry. He lives in Rapallo.
Massimo Bacigalupo. Foto de Aldo Diotallevi (Rapallo, 1964)
Los 8 mm para hablar
por Massimo Bacigalupo
1964 – Se abre la serie de Songs de Stan Brakhage. No creo que haya películas en 8 mm de años anteriores que se recuerden. A la materia visionaria, la realidad rica y extraña de todas las películas de Brakhage, Songs añade una dimensión íntima en la que ver, pensar y “cantar”. Mirémoslas otra vez: el camino de azul líquido de puntos luminosos en Song 11, perlas de luz que brotan en un lado de la pantalla hacia el final. Un retrato de una mujer, una máscara, en Song 1, dentro de una casa, mientras una puerta se abre de tanto en tanto, la imagen parpadea, ella está ahí intensamente para nosotros. Como cuando después de un paseo por las montañas que reseca la piel se vuelve a entrar en las habitaciones y se escucha música. Otras Songs presentan ideogramas. El desposorio de siluetas contra el cielo y el cambio de anillos, los sexos infantiles, un rinoceronte encerrado: ¿es la novena Song? O bien (Song 4) entre ventanas en calma que dan al jardín se animan action forms pintadas sobre la película, y bajo esta trama se entrevé una ciudad, una iglesia; y de nuevo al final la ventana, la cámara la rebasa y encuentra a unas niñas que juegan con un balón rojo. Esta lentitud (rodada a cámara lenta) que viene después de la extravagante violencia de las manchas de color produce una secuencia encantadora: son los ritmos de la naturaleza, del tiempo; Brakhage nunca ve el mundo inmóvil del miedo, sino que corre hacia las articulaciones esenciales del cuerpo, siguiendo su alta lógica formal: humanísima. ¿Pero por qué los 8 mm? Si no recuerdo mal, le robaron la cámara de 16. De ahí nace una música ad personam: compradas las Songs (algunas de ellas: Brakhage no las alquila, las vende a unos 20 dólares la pieza), las veremos en privado, entre nosotros, a menudo en familia. Las películas de familia de todos, por tanto: centradas en las cosas últimas: mujer (1), tierra (2), mar (3), niños (4), prado (5), etc. Lo suficiente para volver a empezar.
1966 – Mi Quasi una tangente es, como Capolavoro (1967) de Bargellini, una película sociológica. Pero por debajo está la vida contagiosa de las imágenes. Una narración aplicada que sostiene un ejercicio figurativo, relacionado con el 8 mm. En mi siguiente película, Ariel loquitur (1967) solo queda la figuración, y resulta pobre; la ambigüedad de la Tangente resultaba más productiva. Desde entonces he buscado una imagen que pudiese hablar por sí misma, con asociaciones libres, y es con frecuencia una imagen distante; pero siempre proclive al tumulto de las formas.
1967 – De Bernardi rueda sus primeros 8 mm: Il vaso etrusco, Il bestiario, Il vaso di Costantino. Pia Epremian rueda Proussade. Dos estilos muy diferentes. En De Bernardi una fascinación por el objeto: cuerpo, rostro, hombre-mujer mutante. Epremian presenta ejemplos de situaciones psicológicas. Los dos son unos visionarios, los descubridores italianos del 8 mm.
1968 – Mi 60 metri per il 31 marzo es un happening, verdadero 8 mm: danza, montaje en cámara, homenaje a Brakhage, Pound, Durrell, Caravaggio –pero sobre todo a una antigua Upanishad. Los entusiasmos de la primavera del 68. De ahí pasé al 16 mm rodando, en otoño, Versus, una película minimalista que (como sugiere el título) traza el retorno de los entusiasmos precedentes, y presenta “la desolación de la realidad”. Ahora las dos películas están reunidas en un díptico: un apólogo cuyas implicaciones no fueron comprendidas. De Bernardi rueda Dei, su gran película de amor (reinventemos este género). Epremian Medea, con un sufrimiento más personal que en Proussade: película delicadísima sobre mujeres: sierva, ama, libre. (Infiniti insufficienti continúa el año siguiente, oscuramente, esta temática). Bargellini Omaggio all’orecchio di Van Gogh, una caja de sorpresas. Adamo Vergine, bajo una bombilla de luz fría, Espiazione.
1969 – Yo compongo dos Lettere (Cartas) expedidas una en los primeros días del año y la otra en verano: quince metros de 8 mm, una en color sobre el mar, Sicilia, Apolo y la amistad; la otra en blanco y negro, que se desplaza lentamente desde una oscura ladera de colina hasta el blanco del cielo. Al final la pantalla se vuelve completamente blanca. The Last Summer, rodada entre verano y otoño, abre el largo viaje del Eryngium (cuatro películas, de las cuales solo la primera en 8 mm) volviendo atrás: al 8 mm, desde luego, y a los lugares de la infancia. Bargellini rueda Ottofilm, un discurso sobre eros y la adicción a las drogas. El año siguiente el doloroso Due silenzi e un’armonica. Desde la obsesión social llega a la desnudez del poeta. De Bernardi empieza después de la película del amor (y de Le cronache del sentimento e del sogno, que sigue explotando aquel filón) la película del mundo, una película enorme y única, aún hoy inconclusa, dividida en tres o cuatro grandes partes (Le opere e i giorni, La cerchia magica, Definizione di spazio, La spirale). Es una reinveción del 8 mm cuyo significado aún no se comprende. Gran parte de este material nunca se ha visto. A Patrizia, rodada en torno al año nuevo de 1970, es un breve e intenso extracto. Por tanto, esta aventura del 8 mm se desarrolla durante años. Y no sirve teorizar el 8 mm en abstracto como medio de comunicación. Todo lo que se ha hecho –y se hará– responde a que alguien se ha despertado con la intención libre de “quiero hacer una película”. Había algo que decir y ver, y ahí estaba el medio para ser usado. Pero solo el cineasta lo ha usado.
De Filmstudio70, Karma Film (edited by), Dimensione Super8, Quaderni del Filmstudio 2, Roma, 1975, pp. 61-63
Speaking in 8mm
by Massimo Bacigalupo
1964 – Stan Brakhage begins shooting his Songs. I don’t think that there are any earlier 8mm films of consequence. To the rich and strange visionary material of Brakhage’s work, Songs adds an intimate dimension in which to see, think and “sing”. Let’s look at them again. The liquid azure run of luminous dots in Song 11, pearls of light streaming on the side of the screen towards the end. A portrait of a woman, a person, in Song 1, in a home, whilea luminous door open snow and again from outside, the image flickers, she is intensely there for us. The feeling is bracing, like when we are tired and thirsty after a hike, and we sit down and listen to music. Other Songs compose ideograms. A wedding of silhouettes against the sky and rings exchanged, children’s genitals, a caged rhinoceros: Song 9, I believe. Or in Song 4 three quiet windows opening on a garden, which come alive with action forms drawn on film, and under these graffiti one can make out a city, a church. And again at the end, the window, the camera goes through it and finds a group of children playing with a red ball. This adagio (shot in slow motion), coming after the violent extravagance of the colored spots, produces an enchanting sequence, suggesting the rhythms of nature, of time. Stan never sees the fixed world of fear, but focuses on the body’s essential articulations, according to a formal logic of his which is also very humane. Why did he work in 8mm? I seem to remember that his 16mm camera had been stolen. The result is a music ad personam: having purchased our copies (Brakhage does not rent Songs, he sells them directly for about $20 each), we can watch them in private, among friends and family. So Songs can be considered Everybody’s Home Movies; always concerned with the essential: woman (1), earth (2), sea (3), children (4), grass (5) etc. A primer for a new visual education.
1966 – My Almost a Tangent, like Piero Bargellini’s Masterpiece (1967), is a film about social and historical circumstances. But beneath this surface is the contagious life of the image per se. The film’s taught narrative sustains a formal exercise, which relates to the 8mm medium. I followed this up with Ariel loquitur (1967) where all that remains is the formal exercise, an attempt to create a long silent 8mm film based only on a formal narrative. The double perspective of Tangent turns out to have been more productive. In later work I have sought an image that could speak for itself, establishing open connections, and it is often an image seen from a distance; but it is always tempted by a turmoil of forms.
1967 – Tonino De Bernardi shoots his early 8mm films: The Etruscan Vase, The Bestiary, Costantine’s Vase. Pia Epremian produces Proussade. Two very different styles. De Bernardi is fascinated by the object: body, face, mutant (wo)man. Epremian presents examples of psychological situations. Both are visionary film- makers, the Italian discoverers of 8mm.
1968 – My 200 Feet for March 31ST isahappening, a real 8mm product: a dance, edited in the camera, with homages to Brakhage, Pound, Durrell, Caravaggio – above all to an ancient Upanishad. The enthusiasms of Spring 1968. In the course of the year I turned to 16mm, and shot Versus, a minimalist film that (as suggested by the title) puts paid to the previous enthusiasms, presenting “the desolation of reality”. The two films have also been shown together under the title Diptych, but the contrast has mostly eluded viewers. De Bernardi shoots Gods, his great “love film”(let’s reinvent this genre). Epremian films Medea, more sorrowfully personal than Proussade: a very delicate film on women’s roles: servant, master, free. (In the following year Epremian developed the theme, rather obscurely, in Sufficient Infinites.) Bargellini produces Homage to Van Gogh’s Ear, a boxful of surprises. Adamo Vergine, under a cold lamp bulb, creates Expiation.
1969 – I filmed two brief Letters, which I mailed to the lab with my friends’ address for returning the developed 25-ft 8mm rolls. The first, in color, was about the sea, Sicily, Apollo and friendship; the second, B&W, panned slowly from a dark hillside to a white sky. The Last Summer, filmed in the summer and autumn, begins the long journey of my film-cycle Eryngium (four films of which only the first in 8mm). It is a return and farewell to the past – 8mm, in fact, and childhhod settings. “Home is where one starts from”. Bargellini shoots Eightfilm, a striking soliloquy on eros and substance-dependence. The following year he produced the painful Two Silences and One Harmonica. Here his social approach leads to the poet’s “total leaflessness”. After his love-film (and The Chronicles of Drama and Dream, which is essentially a sequel), De Bernardi begins his film of the world, a single endless work, as yet unfinished, divided in three or four large sections (Days & Works, The Magic Circle, Definition of Space, The Spiral). It’s a new invention of 8mm, and it is still hard to grasp. Most of this material has never been shown. For Patrizia, shot at New Year’s 1969-70, is a brief and intense extract of the mammoth project. As the above suggests, it’s a number of years that this 8mm adventure has been in progress. It’s not much use to speak theoretically of 8mm as a means of communication. What has been done (and will be done in the future) happened when someone woke up with the free inspiration: “I want to make a film”. Something wanted to be said, and seen, and the medium was there to be used. But only the film-maker used it.
from Filmstudio70, Karma Film (edited by), Dimensione Super8, Quaderni del Filmstudio 2, Roma, 1975, pp. 61-63.
60 metri per il 31 marzo (cm, 1968)
Reparto: Fabrizio Buccarella, Silvano Fua, Costanzo Lemmi, Laura Onorati, Janet Velasquez
La mayor parte de esta película fue rodada en un solo día, el 31 de marzo de 1968, y montada en la cámara. Se divide en seis episodios que siguen un antiguo texto indio, Katha Upanishad, en el que un joven, Nakiteta, conversa con la muerte. Cada sección presenta un evento de aquel día y se refiere a un escritor y a un pintor. La historia se desplaza desde una habitación a un jardín y a una superficie de agua en calma a medida que avanza la tarde. Luego hay un encuentro amoroso, un poco de diversión entre chavales que juegan a policías y ladrones, y un chico y una chica esperan la noche en silencio.
“Los seis Vallis o ramas (como se los llama en las Upanishad), de diez metros de longitud cada uno, evocan la emoción de un día de primavera en el que eventos simples traen a la mente del protagonista implícito fragmentos de sus lecturas y de obras de arte. Así él aparece cautivado momentáneamente por (1) Ezra Pound y Kandinsky, (2) las imágenes y palabras de Stan Brakhage, (3) e.e. cummings y la Primavera de Botticelli, (4) John Donne, Aubrey Beardsley y El Bosco, (5) Lawrence Durrell y Caravaggio, (6) las Upanishad y Piero della Francesca. Pero, como comentó en un poema Andreas Weiland: “Dejemos de hablar de cómo y a quién rendir tributo, hablemos de esto: / el descubrimiento del mundo / es sin duda algo digno de verse.”
Most of this film was shot within one day, 31 March 1968, and edited in the camera. It is divided in six episodes following an ancient Indian text, Katha Upanishad, in which a young man, Nakiketa, converses with Death. Every section presents an event of that day and refers to a writer and a painter. The story moves from a room to a garden to a quiet water-surface as the afternoon goes on. Then there is an amorous encounter, a bit of fun among youngsters playing cops and robbers, and a boy and girl quietly awaiting the night.
“The six ‘Vallis’ or branches (as they are called in the Upanishad), each ten meters or thirty-three feet long, evoke the excitement of a spring day in which simple events bring to the mind of the implicit protagonist bits from his reading and the visual arts. Thus he is briefly haunted by (1) Ezra Pound and Kandinsky, (2) Stran Brakhage’s images and words, (3) e.e. cummings and Botticelli’s Spring, (4) John Donne, Aubrey Beardsley and Hieronymus Bosch, (5) Lawrence Durrell and Caravaggio, (6) The Upanishads and Piero della Francesca. But, as Andreas Weiland commented in a poem: ‘Let us not talk of how & to whom homage was paid, let us talk of this:/The Discovery of the Word/it is surely something to see’.”
Versus (cm, 1968)
Reparto: Anna Laura Lanza, Bruno Pinto, Svevolod Rosako, Charis Vivante
La película pretende cuestionar cómo se percibe una cierta imagen. El punto de partida es una fotografía de una calle en Palestina. Luego la cámara se desplaza para mostrar que la foto incluye (en un espejo retrovisor) la imagen del fotógrafo con una cámara. Finalmente, la imagen se da la vuelta como en un espejo. La película está constituida por cuatro rollos de 16 mm sin montar de 30 metros, uno de los cuales había sido expuesto previamente en una cámara de 8 mm.
The film seeks to question how a certain image is perceived. The point of departure is a photograph of a street in Palestine. Later the camera moves to show that the photo includes (in a rear mirror) the image of the photographer with a camera. Finally, the image is reversed as in a mirror. The film is constituted of four unedited rolls of 100-feet 16mm reels, one of which was previously exposed in an 8mm camera.
Migrazione (1970)
Reparto: Shahla Arbabi, Piero Bargellini, John Cardale, Mariella De Bernardi, Tonino De Bernardi, Jacques Defert, Pia Epremian, Dilys Ferguson, Luisa Musante, Martine Rog, Bruce Saylor, Alba Vivante, Charis Vivante, Andreas Weiland, Susan Winterbottom
He aquí la tercera parte y más extensa del ciclo Eryngium. El tema esencial son las migraciones que han poblado nuestro mundo, que empezaron en la India antigua y llegaron hasta Grecia y Europa occidental. El concepto de la película es que este movimiento sigue teniendo lugar. Los personajes se muestran en tránsito, como si formaran parte de una antigua caravana. A medida que se desplazan inventan mitos y adoran a la Gran Diosa, haciéndose pasar por ella –que aparece como una chica joven y como una mujer madura, y es evocada en historias y música en la banda sonora: la virgen del Magnificat de Bach, la Sulamita del Cantar de los cantares de Stockhausen (“Soy negra pero hermosa”), relatos de Herodoto, Kafka, Villon (puesto en música por Ezra Pound). Una sección está dedicada a la idea de celebración, en la que los emigrantes se unen para adorar el principio vital. Luego la película vuelve a lo individual y a la soledad.
“Miro a mis compañeros de viaje, a los que conocí en el curso del trayecto. Una pareja de jóvenes autoestopistas, estudiantes Fulbright, un poeta venido de Alemania. El fondo es en parte Roma (escenas rodadas en las excavaciones de Ostia y del Foro, donde artistas foráneos pintaban frescos, que también se muestran). Los emigrantes producen arte e historias. Las escenas de apertura se rodaron en Florencia. La niña, que se llama Alba, es hija de madre italiana y padre africano. Los genes se transmiten a través de los continentes: son los emigrantes esenciales. La influencia dominante, sin embargo, es la India: hacia el inicio se muestran imágenes que tomé allí durante un viaje en 1969. Supongo que el conjunto puede verse como la representación de un misterio medieval”.
This is the third and most extensive part of the cycle Eryngium. The essential theme is the migrations that have populated our world, starting from ancient India and descending into Greece and Western Europe. The film’s conceit is that this movement is still in progress. The characters are shown in transit, as if they were part of an ancient caravan. While they move they make up myths and they worship the Great Goddess, impersonating her story. Thus she appears as young girl and mature woman, and is evoked in the stories and music given on the soundtrack: the Virgin of Bach’s Magnificat, the Sulamite of Stockhausen’s Song of Solomon (“I am black but comely”), tales by Herodotus, Kafka, Villon (as set to music by Ezra Pound). A section is devoted to the idea of celebration, where the migrants get together to worship the life-principle. Later the film moves back to the individual and solitude.
“I look at my fellow travelers, whom I meet in the course of the journey. A young couple of hitchhikers, Fulbright students, a poet visiting from Germany. The background is in part Rome (scenes shot in the excavations at Ostia or of the Forum, where migrating artists painted frescos, which are also shown). Migrants produce art and stories. The opening scenes were shot in Florence, the little girl, called Alba, is the daughter of an Italian mother and an African father. Thus genes are transmitted across the continents, they are the essential migrants. The overall influence, however, is India, pictures of which taken by me during a trip in 1969 are shown towards the beginning. I suppose the whole thing could be seen as a Mystery Play.”
Traducción de los texto: Javier Oliva