Cineinfinito #63: Vincent Grenier (I)

CINEINFINITO / Cine Club Filmoteca de Cantabria
Miércoles 19 de Septiembre de 2018, 17:00. Filmoteca de Cantabria
Calle Bonifaz, 6
39003 Santander

Programa:

Catch (1975) 16mm, color, silente, 4:15 min
Light Shaft (1975) 16mm, b&w, silente, 6:20 min
Shade / Toile (1975) 16mm, color, silente, 8:46 min
While Revolved (1976) 16mm, color, silente, 9 min
X (1976) 16mm (18f/sec), b&w, silente, 8 min
World in Focus (1976) 16mm (18f/sec), color, silente, 16 min

Formato de proyección: HD (nuevos transfer digitales supervisados por el autor)

(Agradecimiento especial a Vincent Grenier)


Vincent Grenier nació en Quebec, Canadá. Ha pasado gran parte de su vida en Estados Unidos, fundamentalmente en Nueva York. No obstante, ha participado con frecuencia en la escena artística de Montreal en los 70 y 80, así como en el entorno de la bahía de San Francisco, donde obtuvo un máster en Bellas Artes del San Francisco Art Institute a comienzos de los 70. Las películas y vídeos experimentales de Grenier han ganado numerosos premios y se han proyectado en Norteamérica, Europa y China en los principales museos, muestras y festivales. Grenier ha hecho más de dos docenas de películas, y también vídeos a partir de 1990. Su obra ha sido objeto de recientes retrospectivas en Media City, Windsor (Ontario) y en el festival Images Film & Video Festival’sCanadian Images Spotlight en Toronto. En 2010 recibió una beca de investigación de la Fundación Guggeheim. Vive en Ithaca (NY) y enseña en la cercana Universidad de Binghamton.

Vincent Grenier was born in Quebec City, Canada. He has lived largely in the US, mostly New York City. In spite of this, he was a frequent contributor to the Montreal Art scene of the 70’s and 80’s as well as the SF bay areas where he received an MFA at the San Francisco Art Institute in the early 70’s. Grenier’s experimental films and videos have earned numerous awards and have shown in North America, Europe and China at major museums, showcases and festivals. Grenier has made over two dozens films and since 1990 videos. His work was recently the subject of retrospectives at Media City, Windsor, Ontario and Images Film & Video Festival’s Canadian Images Spotlight, in Toronto. He has received a Guggenheim Foundation Fellowship in 2010. He lives in Ithaca NY and teaches at nearby Binghamton University.

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Grenier, un autor de cine y vídeo que empezó a trabajar en los 70, es un artista que aporta a las imágenes una sensibilidad paciente y reveladora. Rigurosa, bella y con un irónico sentido de la comedia Ekrem Serdar, Experimental Response Cinema, Austin, Texas

Si la obra de Grenier proporciona placeres tanto previstos (la belleza formal y el ojo exigente de un gran artista audiovisual) como imprevistos (las muchas contradicciones, negligencias y paradojas perceptuales que inducen sus obras), sus películas y vídeos también parece que quieren decirnos, de forma muy directa, que esos placeres se deben solo en parte al artista. Son también accidentales, regalados por el azar, libremente disponibles. Y así, en un cierto sentido, creo que la obra de Vincent Grenier, si se me permite recurrir a uno de esos viejos dichos de la vanguardia, pretende “enseñarnos a ver”, pero en sentidos algo distintos del concepto machacado en otros tiempos por mitopoetas y estructuralistas.” Michael Sicinski (Moving Image Source)

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Grenier, a film / video maker who began working in the 70s, is an artist who brings a patient and revealing sensitivity to the image. Rigorous, beautiful, and with a wry sense of comedy –Ekrem Serdar, Experimental Response Cinema, Austin, Texas

“If Grenier’s work provides pleasures both anticipated (the formal beauty and exacting eye of a great media artist) and unanticipated (the many contradictions, misprisions, and perceptual paradoxes the works induce), his films and videos also seem to want to tell us, in very direct ways, that those pleasures are only partly of the artist’s making. They are also accidental and given to chance; they are also freely available. And so in a way, I think Vincent Grenier’s work, if I may call upon one of the hoary old saws of the avant-garde, aims to “teach us how to see,” but in ways a bit different than how that concept has been trotted out in the past by mythopoets and structuralists alike.” –Michael Sicinski (Moving Image Source)

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Mi obra muestra fascinación por las contingencias: momentos digresivos, espacios desequilibrados, composiciones asimétricas, detalles reveladores, registros incongruentes y asociaciones inesperadas entre forma y significado. Mis composiciones operan como una serie de cortocircuitos y recableados en las expectativas de un espacio y tiempo cinematográfico unificados. En su lugar, crean movimientos visuales compuestos de interacciones empíricas y materiales con la imagen e interrogaciones filosóficas sobre la naturaleza de la representación.

En mi obra se enfrentan las contradicciones entre mis intenciones artísticas y el resultado material del rodaje: estas divergencias generan accidentes útiles que revelan ideas mucho más complejas sobre las formas y estructuras de la vida cotidiana. Las teorías e ideologías del espectador se hacen chocar con la mecánica y la estética del cineasta. Este conflicto de intenciones ha constituido la base de mi obra artística durante más de treinta años; llama la atención sobre cómo se mezclan las principales construcciones culturales y sociales en una miríada de permutaciones condensadas en lo visual.

Mi obra rehúye las líneas rectas deductivas de discusiones, juicios específicos y conclusiones. Lo cinematográfico, tal como aparece en mi obra, no constituye un objeto fijo y estático sino más bien una apertura a diversas posibilidades de transformación. Evocando las yuxtaposiciones de los koan del budismo zen, mi obra transforma la pátina del día a día en una conciencia humorística y poética del presente.

Mis obras se enfrentan directamente a las concepciones de la espacialidad y la temporalidad como un continuo y desestabilizan la noción de una experiencia humana universal. Por el contrario, mi obra tiende a fracturar el espacio y el tiempo para liberar los mapas visuales inefables e intraducibles que lo cotidiano y lo concreto abrazan en su interior, y que pueden crear revelaciones en el ámbito de la luz, el color, la forma y la composición. –VG

My work is fascinated by contingencies: digressive moments, unbalanced spaces, assymetrical compositions, revealing details, incongruous recordings, and unexpected linkages between form and meaning. My compositions operate as a series of short circuitings Mand rewirings of expectations of unified cinematic space and time. Instead, they create visual movements comprised of both experiential and physical interactions with the image and philosophical queries into the nature of representation.

My work plays off the contradictions between my artistic intentions and the physical results of shooting: these divergences generate useful accidents that reveal much more complex ideas about the forms and structures of daily life. The spectator’s assumptions and ideologies are made to collide with the cinematographer’s mechanics and aesthetics. These conflicting agendas have formed the foundation of my artistic work for over thirty years. They draw attention to how larger cultural and social constructs commingle in a myriad of permutations condensed into the visual.

My work eschews the deductive straight lines of arguments, specific judgments and conclusions. Rather, the cinematic, as figured in my body of work, is not located as a fixed and static object, but as an opening for transformative possibilities. Evoking the juxtapositions of the Zen Buddhist koan, my work shakes the patina of the everyday into a humorous and poetic awareness of the present.

My works directly confront the ideas of spatiality and temporality as a continuum and unsettle the notion of a universal human experience. Instead, my work moves towards fracturing space and time in order to release how the everyday and the specific hold within them ineffable, untranslatable, visual mappings that can provoke revelations into light, color, form, and composition. –VG

www.vincentgrenier.com


Catch (1975)

Catch es una observación fragmentaria de superficies reflectantes ocultas: la esquina de una pantalla de televisión apagada, una ventana… ” –Mike Reynolds, Berkeley Barb

“Catch is a fragmented observation on hidden reflective surfaces, the corner of a dormant television screen, a window…” -Mike Reynolds, Berkeley Barb


Light Shaft (1975)

Esta es probablemente mi primera película sobre lo que llegaría a convertirse en un apego obsesivo hacia las ambigüedades visualesLa sala de operaciones es en definitiva un lugar oscuro en el que la principal función de los rayos de luz ceremoniales es desvelar otros lugares. La idea de “mostrar” la reproducción de otro lugar ha llegado a tal nivel de expectativa que parece inevitable tener que manipularla. Aquí este proceso de manipulación conduce a ambigüedades entre las nociones de solidez y espacio, los límites interior y exterior de la pantalla, las direcciones, movimientos y otras que se mezclan en expectativas inesperadas, mientras una pequeña pantalla de luz sondea la oscuridad como una ventana imposible. –VG

Light Shaft, un rayo de luz, cruza la pantalla en diagonal, creando una cuña iluminada. Sus variaciones obedecen a cambios en la disposición del trípode mientras la cámara hace panorámicas. Limitando la atención del espectador a una pantalla más pequeña, un punto en el espacio, se consigue una cierta confusión como si el resto de la pantalla (en la oscuridad) se mezclara con las tinieblas que la rodean, o como si fuera solo una ventana dentro de ella.

Esto es más evidente cuando la cuña de luz” sale del encuadre. Se puede sentir como si cruzara la habitación, y reaparece en el lado opuesto del encuadre. A veces solo hace un giro y vuelve. La forma y el tamaño de la luz se ven influidos por los movimientos de otros objetos, que así intercambian la sensación de materialidad entre ella misma y sus límites. –VG, CFMDC

This is probably my first film to really deal with what became my obsessive attachment with visual ambiguities. The theater is a black place after all where the ritualistic ray of light’s main function is to reveal other places. This idea of “showing” the reproduction of another place has become so expected that it seems only inevitable to tamper with it. Here this tampering process of recognition results in ambiguities between notions of solidity and space, the inner and outer limits of the screen, directions, movements and others which mingle into unforeseen expectations, while a small wedged screen of light probes as the impossible window into the dark. –VG

“Light Shaft” diagonally crosses the screen with a wedged light formation, usually on the diagonal. Its variations are rendered through arrangements of the tripod while panning the camera. Limiting the viewer’s attention to a smaller screen, a point in space, allows for a certain confusion as to whether the rest of the (dark) screen blends itself into the surrounding blackness or is just a window ino it.

This is more apparent when the “wedged light” goes out of the frame. It can be felt as if crossing the room; and it reappears at the opposite end of the frame. Sometimes it just makes a turn and comes back. The form and size of the light are influenced by movements of other objects, thereby shifting the impression of materiality between itself and its edges. (VG), CFMDC


Shade / Toile (1975)

Shade agota de forma casi exhaustiva las posibilidades de interacción entre cámara (apertura, foconaturaleza (sol, viento). Es un bello esbozo de poema sobre la presencia permanente que hace posible la percepción del mundo. En esta nima área, las variaciones se siguen unas a otras con tranquila perseverancia, y cada encuadre revela el secreto del siguiente.” – Mike Reynolds, Berkeley Barb

“‘Shade’ is a near exhaustion of the possibilities between camera (aperture, focus) and nature (sun, wind). It is a beautiful study-poem on the undying presence that renders the world perceptually. In this minimal area, the variations are pursued with quiet doggedness, each frame revealing the secret of the next.” – Mike Reynolds, Berkeley Barb


While Revolved (1976)

Una película esquiva que se desarrolla en una serie de movimientos, sobre la fascinación de mirar las turbulencias del grano ampliado. Un fondo resbaladizo fluye, se eleva y se hunde afilando las posibilidades de enfoque de las sombras, y dando lugar, de forma inesperada, a otro grano ampliado…–VG

Hecha con una beca del Canada Council.

While RevolvedEstanques de luz y sombra se desplazan entre sí mientras la cámara describe un arco o espiral sobre una sección de pared o techo. El movimiento se detiene periódicamente, sustituido por el enfoque selectivo de un objeto granuloso, lo que da la sensación de un movimiento ondulatorio hacia dentro y fuera de la pantalla. La película se centra en lo proyectado, no solo la luz o la emulsión o la ilusión o el proyector o la cámara, sino todo ello. La superficie de la película, el grano, es evocada cuando aparece, cruzando el encuadre, una superficie análoga pero ilusoria (como si fuera una ampliación). Otras veces el grano se abandona a sí mismo. También las peculiares condiciones de enfoque de las sombras actúan como diafragmas dentro de la imagen. El fondo esquivo se confunde con el primer plano. Las nociones de aparición y desaparición se transforman en nociones de tiempo.

An elusive film that plays in a series of movements, on the fascination that can be had from watching the turbulent magnified grain. A slippery background flows, rises and sinks honing the focusing abilities of shadows, and unexpectedly producing an other magnified grain… –VG

Made with a grant from the Canada Council.

While Revolved: Pools of light and shadow displace each other as the camera describes an arc or spiral on a section of wall or ceiling. Periodically the motion stops, replaced by selective focus on a grainy object, creating a sense of wave motion in and out of the screen. This film is concerned with the projected, not just light or the emulsion or the illusion or the projector or the camera, but all of them. The surface of the film, the grain, is remembered when a similar but illusionistic surface appears (just as magnified), crossing the frame. Other times the grain is left to itself. There are the idiosyncratic focusing qualities of shadows acting as diaphragms inside the image. The elusive background confounds itself with the foreground. The notions of appearances and disappearances transform themselves in notions of time.


X (1976)

Lo insinuante de los movimientos de cámara y la familiaridad de las mismas formas que se repiten en negro y después como luminosas siluetas blancas hacen de X una obra visualmente intrigante sobre el espacio positivo/negativo. Escala, profundidad y punto de vista son indescifrables. ¿Son los objetos o la cámara los que se mueven a través del encuadre? Este cubo de Rubic para ver simultáneamente demuestra la ilusión del espacio cinematográfico, y la capacidad de la cámara para aislar y transformar. El uso del silencio que hace Grenier en “X es perfectamente acorde con sus inquietudes. Raphael BendahanVanguardSummer 1985.

Hecha con una beca del Canada Council: filmada con la ayuda de Ann Knutson.

En X, una línea negra puede percibirse como un trazo o como una forma en sí misma. También podría ser una hendidura a través de la que se puede sentir el fondo; o a veces se convierte en algo indiferenciado de una de las superficies que delimita cuando, por un cambio de luz, las superficies se vuelven negras también. Una forma que parece cruzar el encuadre horizontalmente puede también, de repente, parecer que lo hace verticalmente y hasta retroceder y avanzar en el espacio de la película. El propio rectángulo de la pantalla se transforma en un trapecio, ensanchando momentáneamente la negra masa que lo rodea.” (Canyon, NYFC, LUX)

“The insinuation of camera movements and the familiarity of the same forms recurring in black and then luminous white shapes, makes X an intriguing visual play on positive/negative space. Scale, depth and angle of view are indecipherable. Is it the object or the cameras which moves across the frame? This Rubic’s cube for seeing simultaneously demonstrates the illusionism of cinematic space and the camera’s ability to isolate and transform. Grenier’s use of silence in X is perfectly à propos to its concerns. -Raphael Bendahan, Vanguard, Summer 1985.

Made with a grant from the Canada Council: filmed with the help of Ann Knutson.

In X, a black line can be perceived as delineation or as a shape in itself. It can also be a slit through which one can feel the background; or it sometimes becomes undifferentiated from one of the areas it delineates when, because of light changes, the areas become black as well. A shape which may seem to cross the frame horizontally can just as well suddenly appear to do so vertically or even go backward and forward in the film space. The rectangle of the screen itself metamorphoses into a trapezoid, temporarily stretching the black mass surrounding it.” (Canyon, NYFC, LUX)


World in Focus (1976)

EWorld in Focusla pantalla se convierte en el soporte bidimensional de un objeto tridimensional sorprendentemente versátil (el Atlas), que contiene a su vez imágenes en dos dimensiones de otros objetos tridimensionales. La cualidad física del libro proporciona una superficie no menos real que su lenguaje (texto, imágenes, etc.) que presenta por sí misma una imagen dislocada del mundo. Contemplar lo que el libro tiene de objeto es, de hecho, contemplar la cosa real, algo que está contenido en lo que augura describir. La película hace inventario y se construye a la vez sobre las múltiples afinidades entre cámara y libro las ramificaciones resultantes de la deconstrucción del lenguaje” del libro. VG

Un homenaje al cine primitivo de los folioscopios y el libro de viajes definitivo para el sillón de orejas, World in Focus ganó un merecido premio en el Ann Arbor Film Festival de este año (1978) y es una bella idea bellamente realizada.” Jim Hoberman. The Village Voice

El uso constante de objetivos macro crea a menudo imágenes ambiguas o casi imposibles de identificar (del Atlas), subrayando los ritmos, volúmenes, ángulos y movimientos que resultan del manejo del libro. (CFMDC)

In WORLD IN FOCUS, the screen becomes the two dimensional support of an amazingly versatile three-dimensional object (the Atlas) which contains in turn two-dimensional pictures of other three-dimensional objects. The physicality of the book offers an area no less real that its language. (i.e. text, pictures etc) which is itself presenting a dislocated image “of the world.” To look at the objectness of the book is in fact to look at the real thing, something which is contained in what it portends to describe. The film inventories and builds both on number of camera/book affinities and the ramifications of the resulting deconstruction of the book’s “language.” -VG”An homage to the primitive cinema of the flip-book, and the ultimate armchair travelogue, WORLD IN FOCUS was a deserved prize winner at this year’s (1978) Ann Arbor Film Festival and is a beautiful idea, beautifully realized.” -Jim Hoberman.The Village Voice

In “World in Focus,” the screen becomes the two-dimensional support of an amazingly versatile three-dimensional object (an atlas) which contains in turn two-dimensional pictures of other three-dimensional objects. The uniform use of a close-up lens creates often ambiguous or nearly unidentifiable images (from the atlas), emphasizing the rhythms, volumes, angles and movements obtained from the handling of the book. (CFMDC)


Traducción de los textos: Javier Oliva