Warren Sonbert

Probablemente, desde que The Chelsea Girls de Andy Warhol tuvo su primera proyección en la Cinematheque hace casi un año y medio, un evento de cine 'underground' no había causado tanta curiosidad e interés en el mundo 'no-underground' de Nueva York como lo hicieron los cuatro días de proyecciones de los films completos de Warren Sonbert en la nueva ubicación de la Cinematheque en Wooster St.

Roger Greenspun

Probably not since Andy Warhol’s The Chelsea Girls had its first showing at the Cinematheque… almost a year and a half ago, has an ‘underground’ film event caused as much curiosity and interest in N.Y.’s non-underground world as did four days of showings of the complete films of Warren Sonbert at the Cinematheque’s new location on Wooster St.

Roger Greenspun

A precocious talent, he had his first career retrospective before he turned 21 years old, establishing his reputation early as a key innovator in New York’s counter-culture during the 1960s. Encouraged to take up filmmaking by Gregory Markopolous, his early works were populated by denizens of Warhol’s scene such as superstar René Ricard and Gerard Malanga, as well as art critic Henry Geldzhaler. Often characterised as diaristic, his films pay close attention to intimate details of his surroundings and relationships that evolved from his living in New York and San Francisco, but also developed a unique lyrical form that transcends their quotidian detail to explore our individual human position in the world at large.

Defined by many contrasting influences from rock-and-roll to opera, from Douglas Sirk’s classic Hollywood melodramas to the montage theories of Dziga Vertov, his films constantly question the world around him and positions the minutiae of day-to-day experience in an epic, international framework. His complex editing style – cutting rapidly between time periods, cultures and continents – creates a polyphonic cinema embraced equally by film and by literary circles leading to his close association with the New York School and Language Poets from the San Francisco Bay Area (including Michael Brownstein, Larry Fagin and Anne Waldman as well as Carla Harryman and Charles Bernstein). The first complete retrospective of his work in the UK, this series will position newly restored works alongside films by his peers such as Stan Brakhage, Abigail Child, Nathaniel Dorsky, Gerard Malanga, Gregory Markopoulos, Jeff Scher, and Andy Warhol, as well as Douglas Sirk’s feature film Tarnished Angels (1957). – Tate Modern

Warren Sonbert (26 de junio de 1947 – 31 de mayo de 1995) fue un cineasta experimental estadounidense cuya obra abarcó casi tres décadas, comenzando en Nueva York a mediados de los años 60 y continuando en San Francisco durante la segunda mitad de su vida. Conocido por la exuberante imaginería de películas como Carriage Trade y, especialmente, por su compleja e innovadora edición, ha sido descrito como "el máximo diarista romántico del cine", así como "un artista tanto inquisitivo como lúdico, y un agudo intelectual que se deleita en la interacción entre todas las artes creativas."

"Los críticos han intentado definir el cine de Sonbert con frases ingeniosas", escribió David Sterritt, pero "sus obras no son realmente películas diarísticas, ya que sus contornos cuidadosamente formados se determinan más por la percepción estética que por la experiencia diaria. Compararlas con 'explosiones en una fábrica de postales' es reconocer su variada exuberancia, pero no captar su precisa y extática composición."

Warren Sonbert (June 26, 1947 – May 31, 1995) was an American experimental filmmaker whose work of nearly three decades began in New York in the mid-1960s, and continued in San Francisco throughout the second half of his life. Known for the exuberant imagery of films such as Carriage Trade and especially for their intricate and innovative editing, he has been described as "the supreme Romantic diarist of the cinema" as well as "both a probing and playful artist and a keen intellect reveling in the interplay between all the creative arts."

"Critics have tried to pin down Sonbert's cinema with catchy formulations," wrote David Sterritt, but "his works are not really diary films, since their carefully shaped contours are determined more by aesthetic insight than daily experience, and to compare them with 'explosions in a postcard factory' is to acknowledge their boisterous variety while missing their ecstatic precision."

Primeras películas

Como protegido del cineasta de vanguardia Gregory J. Markopoulos pero inspirado por el trabajo de los autores de Hollywood como Alfred Hitchcock y Douglas Sirk, así como por el cine experimental, Warren Sonbert estrenó sus primeros cortometrajes con entusiasmo crítico en 1966, mientras era estudiante en la Universidad de Nueva York. Su primer filme, Amphetamine, presentaba un corte impactante hacia dos jóvenes abrazándose apasionadamente mientras la cámara giraba alrededor de ellos, en un homenaje del joven cinéfilo al beso en 360 grados de Vertigo de Hitchcock. Las películas que siguieron capturaron a sus amigos en el trabajo y el ocio, a menudo en estudios, galerías o boutiques, y frecuentemente acompañadas por canciones de rock del período reciente, cuya energía contribuía al impacto de su rápida edición. En su segundo filme, Where Did Our Love Go?, Sonbert dijo en 1967: "Usé mayormente rock 'n roll viejo—la música más triste y nostálgica que existe."

La reseña de Roger Greenspun sobre una retrospectiva de 1968 en Nueva York comenzó así: "Durante el último fin de semana de enero, la Film Makers' Cinematheque ofreció un programa de tres horas y media que consistía en las obras recopiladas, aunque no del todo completas, de Warren Sonbert. El título del programa, 'Introducing Warren Sonbert,' no era realmente preciso, ya que varias de las películas se habían mostrado públicamente antes... Sonbert ahora tiene un seguimiento, como lo atestiguan las multitudes en la Cinematheque, y parece más que probable que sus filmes se muestren de nuevo. Creo que cualquiera interesado en el cine debería verlos, no porque Sonbert sea lo que está de moda, sino porque es extraordinariamente y consistentemente bueno. También es altamente disfrutable, divertido de ver, aparentemente sin un mensaje pero no sin significado."

Early films

A protégé of the avant-garde filmmaker Gregory J. Markopoulos but inspired by the work of Hollywood auteurs like Alfred Hitchcock and Douglas Sirk as well as by experimental cinema, Sonbert premiered his first, short films, to critical enthusiasm, in 1966 while a student at New York University. His first film, Amphetamine, featured a shock cut to two young men passionately embracing as the camera swooped around them in the youthful cinephile's homage to the 360-degree kiss in Hitchcock's Vertigo. The films that followed captured his friends at work and play, often in studios, galleries, or boutiques, and were frequently accompanied by rock songs of the recent period, whose energy added to the power of their rapid editing. In his second film, Where Did Our Love Go?, Sonbert said in 1967, "I used mostly old rock 'n roll—the saddest and most nostalgic music there is."

Roger Greenspun's review of a 1968 retrospective in New York began: "During the last weekend in January the Film Makers' Cinematheque offered a three-and-one-half-hour program consisting of the collected, but not quite complete, works of Warren Sonbert. The program's title, 'Introducing Warren Sonbert,' wasn't really accurate, because several of the films had been shown publicly before ... Sonbert now has a following, as the overflow crowds at the Cinematheque testify, and it seems more than likely that his films will be shown again. I think that anybody interested in the movies should see them, not because Sonbert is what's happening, but because he is so extraordinarily and consistently good. He is also highly enjoyable, fun to look at, apparently without a message but not without meaning."

Carriage Trade y Películas Posteriores

Alrededor de 1968, Warren Sonbert dejó de usar música y comenzó a reeditar sus imágenes antiguas y nuevas en una película muda más larga que intercalaba muchos tipos diferentes de metraje tomado en diversos lugares. "'Footage from 1967-1970' es el último título que Warren Sonbert ha dado a su película en constante crecimiento y cambio", informó Jonas Mekas en su "Movie Journal" en The Village Voice en 1970. "En proyecciones anteriores se conocía como 'The Bad and the Beautiful' y 'Tonight and Every Night.' ... Ahora el cortometraje de 20 minutos se ha extendido a 80 minutos. Lo que es, es un Canto sobre Personas y Lugares. Es el primer canto que conozco..." Phillip Lopate ha relacionado la "supresión de la banda sonora" de Sonbert en este período con "su amor por la música y su deseo de darle a sus imágenes una forma 'musical'"; Sonbert una vez comparó las tomas mismas con "notas, acordes o agrupaciones de tonos".

Sonbert se mudó a San Francisco, y su trabajo en progreso evolucionó en la película de una hora Carriage Trade (1972), la cual, como ha escrito P. Adams Sitney, "encontró la forma que dio nuevo significado a su trabajo anterior y definió su vocación." Intercalando metraje filmado con su Bolex de 16 mm durante "viajes por cuatro continentes en seis años", Carriage Trade fue la primera de una sucesión de dos décadas de películas con un montaje igualmente radical, en el que cada corte estaba diseñado para abrir múltiples conexiones y asociaciones. "Desde el primer corte impactante, entre los reflejos de edificios en paneles de vidrio y una cascada distante que divide el encuadre de manera similar, la edición expande el espacio de la película y crea una variedad de vínculos entre tomas", escribió Fred Camper. "A veces Sonbert acentúa la grandeza de sus escenas (una magnífica imagen de Venecia corta a un cachorro de mascota), pero igual de frecuentemente ennoblece lo ordinario (un hombre ajustando la ropa de una mujer se convierte en una bandada de flamencos)."

"Carriage Trade invierte la relación usual", señaló Scott MacDonald. "El montaje es la película... En lugar de incrustar un montaje dentro de una narrativa, Sonbert incrusta tomas que tienen como mucho elementos narrativos mínimos dentro del montaje." Revisando Rude Awakening (1976), Fred Camper preguntó: "Desconectado pero rico, abierto y no asertivo: ¿qué tipo de edición ha descubierto Sonbert? ... El resultado particular de la forma y el rodaje de Sonbert—las imágenes que usa son tan importantes como su edición—es un tipo extraordinario de visión intensificada. Aunque su fotografía es en su mayor parte realista, nunca siento que esté mirando objetos 'reales' o colores 'reales'. En cambio, la forma y el color existen en un estado de intensidad desasociada. Los colores, volviendo sobre sí mismos, brillan con una luz interior. A menudo, la imagen se convierte en un tipo de diseño en el que el sujeto y el fondo se ven como partes de un todo decorativo, uno cuyos elementos parecen cambiarse entre sí al estar contenidos dentro de ese diseño."

Aunque Carriage Trade todavía se considera a veces su obra maestra (Sonbert mismo la llamó una vez "mi obra magna"), el crítico Paul Arthur ha argumentado que "con cada película sucesiva, la forma general y el patrón rítmico cambian en relación con una exploración particular de tema o conjunto de motivos." A fines de los años 80, Sonbert comenzó a usar nuevamente música, pero ahora frecuentemente música clásica, como en la sección final de Friendly Witness (1989), que tuvo su estreno en el Festival de Cine de Nueva York, al igual que Short Fuse (1992), con su acompañamiento musical aún más diverso, mediante el cual, escribió Paul Arthur, "el objetivo de crear una banda sonora que no solo amplificara o subvirtiera temas ya incrustados en las imágenes, sino que operara semi-independientemente dentro de una estructura más amplia de significado, se realizó finalmente." El crítico Stephen Holden del New York Times notó que Short Fuse mostraba "un mundo en el que casi todo el mundo está ocupado divirtiéndose. Surfistas, un partido de baloncesto, desfiles, parapentes, atracciones de parques de diversiones, casinos de Las Vegas y todo tipo de diversiones se muestran... Pero no todo es recreo y alegría. Hay clips de películas antiguas de batallas aéreas y navales de la Segunda Guerra Mundial [y] tomas de manifestaciones violentas en San Francisco... del grupo de protesta contra el SIDA Act Up... La película expresa su furia política casi subliminalmente... al contrastar la victoria en la Segunda Guerra Mundial con la lucha contra el SIDA... que no se ha ganado."

Sonbert enseñó cine en el San Francisco Art Institute, la School of the Art Institute of Chicago y Bard College en diversos momentos, y revisó regularmente grabaciones clásicas y ópera, así como cine, para revistas como The Advocate y Bay Area Reporter (escribiendo inicialmente bajo el nombre de "Scottie Ferguson," tomado del protagonista obsesionado de la película de Hitchcock ambientada en San Francisco, Vertigo). Durante su carrera, hubo retrospectivas de su trabajo en el Whitney Museum of American Art (1983), el Festival Internacional de Cine de Berlín (1987), el Centre Pompidou (1987) y el Museum of Modern Art (1994). En 1999, con motivo de la presentación en el Guggenheim Museum de todas sus películas sobrevivientes en versiones restauradas por el Academy Film Archive, iniciadas por el Estate Project, Lisa Katzman observó en el New York Times que "las películas del período maduro de Sonbert parecen contener mundos múltiples... En su edición, las imágenes adquieren una nueva vida; desacopladas de significados literales y contextos cotidianos, se convierten en notas o colores... Al igual que el maestro del montaje ruso Dziga Vertov, Sonbert veía el cine como un lenguaje, y su trabajo exige ser leído... Aunque no siempre es posible captar la exacta matiz psicológica o emocional que tenía en mente al construir sus 'argumentos', como Sonbert una vez llamó a sus películas, su atractivo sensual puede ser abrumador." Las retrospectivas de su trabajo se han llevado a cabo desde entonces en el San Francisco Museum of Modern Art (2000), el Centre Pompidou (2002), el Austrian Filmmuseum (2005), el Harvard Film Archive (2008), el Tate Modern (2013) y el Cinematek de Bélgica (2015).

No se sabe cuándo supo Sonbert por primera vez que era VIH positivo. Murió de complicaciones relacionadas con el SIDA en su hogar en San Francisco en 1995. Dos años después, el Festival de Cine de Nueva York estrenó su película póstuma, Whiplash, que fue completada según sus instrucciones por su antiguo estudiante Jeff Scher.

Carriage Trade and later films

Around 1968, Sonbert stopped using music, and began reediting his old and new images into a longer silent film that intercut many different kinds of footage taken in many different locales. "'Footage from 1967-1970' is the latest title Warren Sonbert has given his ever-growing, ever-changing film," reported Jonas Mekas in his "Movie Journal" in The Village Voice in 1970. "At earlier screenings it has been known as 'The Bad and the Beautiful' and 'Tonight and Every Night.' ... By now the short film of 20 minutes has grown to 80 minutes. What it is a Canto on People and Places. It is the first canto film I know ..." Phillip Lopate has related Sonbert's "suppression of the sound track" in this period to "his love for music, and his desire to give his visuals a 'musical' form"; Sonbert once likened the shots themselves to "notes, chords, or tone clusters."

Sonbert now moved to San Francisco, and his work in progress evolved into the hour-long Carriage Trade (1972), the film in which, as P. Adams Sitney has written, he "found the form that gave new meaning to his earlier work and defined his vocation." Intercutting footage shot with his 16mm Bolex during "travels over four continents in six years," Carriage Trade was the first in a two-decade succession of films with similarly radical montage, in which each cut was designed to open up multiple connections and associations. "From the first stunning cut, between building reflections in twin panes of glass and a distant waterfall that divides the frame similarly, the editing both expands the film's space and creates a variety of links between shots," wrote Fred Camper. "At times Sonbert tweaks the grandeur of his scenes (one magnificent image of Venice cuts to a pet puppy), but just as often he ennobles the ordinary (a man adjusting a woman's clothes becomes a flock of flamingos)."

"Carriage Trade reverses the usual relationship," Scott MacDonald pointed out. "The montage is the film ... Instead of embedding a montage within a narrative, Sonbert embeds shots that have at most minimal narrative elements within montage." Reviewing the 1976 Rude Awakening, Fred Camper asked: "Disconnected but rich, open and non-assertive: what kind of editing has Sonbert discovered? ... The particular result of Sonbert's form and shooting—the images he uses are fully as important as his editing—is an extraordinary kind of heightened seeing. While his photography is for the most part realistic, I never feel as if I am looking at 'real' objects, or 'real' colors. Instead, shape and color exist in a state of disassociated intensity. Colors, turning in on themselves, glow with an inner light. Often, the image becomes a kind of design in which subject and background are seen as parts of a whole decor, one whose elements seem to change each other by being held within that design."

While Carriage Trade is still sometimes considered his masterpiece (Sonbert himself once called it "my magnum opus"), the critic Paul Arthur has argued that "with every successive film the overall shape and rhythmical patterning shift in relation to a particular exploration of theme or set of motifs." In the late 1980s, Sonbert began again using music, but now it was often classical music, as in the final section of Friendly Witness (1989), which had its premiere at the New York Film Festival, as did Short Fuse (1992), with its even more diverse musical accompaniment whereby, Paul Arthur wrote, "the goal of creating a soundtrack that would not simply amplify or subvert themes already embedded in the images but operate semi-independently within a larger structure of meaning was finally realized." New York Times reviewer Stephen Holden noted that Short Fuse pictured "a world in which almost everybody is hard at play. Surfers, a basketball game, parades, hang-gliders, amusement park rides, Las Vegas casinos and all kinds of fun are shown ... But not all is frolic and joy. There are vintage film clips of air and sea battles from World War II [and] shots of violent demonstrations in San Francisco ... by the AIDS protest group Act Up ... The film expresses its political rage almost subliminally ... in contrasting the winning of World War II with the fight against AIDS ... that hasn't been won."

Sonbert taught filmmaking at the San Francisco Art Institute, the School of the Art Institute of Chicago, and Bard College at various times, and regularly reviewed classical recordings and opera, as well as film, for periodicals including The Advocate and the Bay Area Reporter (writing initially under the name "Scottie Ferguson," borrowed from the obsessed protagonist of Hitchcock's film set in San Francisco, Vertigo). During his career, there were retrospectives of his work at the Whitney Museum of American Art (1983), the Berlin International Film Festival (1987), the Centre Pompidou (1987), and the Museum of Modern Art (1994). In 1999, on the occasion of the Guggenheim Museum's presentation of all of his surviving films in versions restored by the Academy Film Archive, initiated by the Estate Project, Lisa Katzman observed in the New York Times that "the films of Sonbert's mature period seem to contain multiple worlds ... In his editing, the images took on a new life; uncoupled from literal meanings and quotidian contexts, they became notes or colors ... Like the Russian montage master Dziga Vertov, Sonbert saw film as a language, and his work demands to be read ... While it is not always possible to grasp the exact psychological or emotional nuance he had in mind while constructing his 'arguments,' as Sonbert once called his films, their sensual appeal can be overpowering." Retrospectives of his work have since been held at the San Francisco Museum of Modern Art (2000), the Centre Pompidou (2002), the Austrian Filmmuseum (2005), the Harvard Film Archive (2008), the Tate Modern (2013), and the Belgian Cinematek (2015).

It is not known when Sonbert first learned that he was HIV-positive. He died of complications from AIDS at his home in San Francisco in 1995. Two years later the New York Film Festival gave the premiere of his posthumous film, Whiplash, which had been completed according to his instructions by his former student Jeff Scher.

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